Category: Media Design

Gamification, at its core, aims to enhance user engagement, boost productivity, and increase interaction. Its foundation lies in behavioral psychology; these principles are combined with game mechanics and applied in non-game environments.

This poses a profound ethical challenge: there is a fine line between designing digital experiences that promote genuine user engagement and those that control or even coerce the user. In this post, I would like to explore how we can design ethical gamified content and identify when motivation shifts into manipulation.

Gamification is essentially a persuasive technology used to influence user behavior and decisions. The line between motivation and manipulation starts to blur when game mechanics primarily serve business goals at the expense of user autonomy. Elements used in gamification, such as leaderboards, streaks, or points, may become manipulative depending on the goal being advanced. Interaction needs to be transparent for the user, and they should always have the opportunity to freely opt out.

There are several methods and tactics in the gamification of UX/UI that can be classified as manipulative:

• Goal misalignment: The primary goal of the platform is to increase time on site, ad views, and data collection. This engagement benefits the system but is harmful to the users’ interests or health.
• Hidden agendas and opacity: A lack of transparency where users do not know what the game is optimizing or how gamification mechanics are used to shape their behavior.
• Undermined autonomy: The system makes it hard for the user to quit by creating social penalties or threatening the loss of streaks, thereby creating artificial friction. In addition, known cognitive biases like the sunk cost fallacy or social comparison may be exploited.
• Reward detachment: Users lose track of their initial goals and start to focus solely on points, badges, and streaks. In this process, the intrinsic motivation for the task is lost.
• Asymmetric power and vulnerability: Targeting children or users who are distressed or have low impulse control, taking advantage of their vulnerability for financial gain.

Using one or several of these mechanics crosses the line into behavioral control, causing the initial intrinsic motivation of the user to be lost and disregarded.

A central concept used in many platforms is the “Ludic Loop.” It describes a state where a habit itself becomes the reward, thus creating an addictive pattern. It involves a cycle of action, anticipation, and variable rewards that keep people engaged; these mechanics are most obviously found in slot machines or social media. Variable rewards trigger a steady release of dopamine that keeps the user hooked and in a state of perpetual engagement.

Design choices specifically made to deceive users are also known as “Dark Patterns.” There are several ways to achieve these. One example is the sunk cost fallacy mentioned above: by emphasizing the time and effort a user has already invested, the cost of quitting seems disproportionately higher than it actually is. Another common method is the Zeigarnik Effect. Our brains tend to remember uncompleted tasks better than completed ones; by including elements like progress bars, the system nudges the user to return to the platform to complete the task.

Even though there are an array of factors to consider, it is possible to design gamification in an ethical and meaningful way. The goal is to move away from “Black Hat” gamification and toward designing interfaces with a positive and meaningful intent that puts the well-being of the user at the forefront.

To ensure an ethical outcome, several principles should be followed:

• Transparency and Informed Consent: These are crucial. Users need to know the goal of the gamified content and exactly how they are being nudged. The criteria must be visible.
• The Right to Opt Out: Respecting user autonomy is vital. Elements of gamification should enhance the experience rather than lead to stress. They should always remain optional and never become mandatory.
• Alignment with User Goals: Following Self-Determination Theory, the intrinsic motivation of the user should be channeled without relying solely on extrinsic motivators.
• Space for “Play”: The user should not fear negative consequences but rather have the opportunity to experiment and engage freely.

The ethical line between motivation and manipulation is defined by autonomy. An ethical gamified system does not trick a user into staying; it provides them with the tools and clarity to achieve their own goals more effectively. As we move further into an era of “nudging” and behavioral design, the responsibility lies with designers and developers to prioritize the user’s long-term well-being over short-term engagement metrics. By shifting our focus from behavioral control to human-centered empowerment, we can ensure that gamification remains a force for good.

Sources:
Sustainability Directory. (2025, October 15). How might we design ethical gamified systems? Medium. https://sustainabilitydirectory.medium.com/how-might-we-design-ethical-gamified-systems-ffe22ea2cb88
Pong, J., Pilat, D., & Chudleigh, S. (2022, September 12). Design is becoming behavioral: Here’s how to ethically implement gamification. The Decision Lab. https://thedecisionlab.com/insights/technology/design-is-becoming-behavioral-heres-how-to-ethically-implement-gamification
Chou, Y. (n.d.). Gamification, manipulation, and ethics. Yu-kai Chou: Gamification Expert. Retrieved January 20, 2026, from https://yukaichou.com/gamification-study/gamification-manipulation-ethics/
Zhao, A. K. (2025, November 25). Ethics of UX design in social media. Viterbi Conversations in Ethics, 8(3). https://vce.usc.edu/semester/fall-2025/ethics-of-ux-design-in-social-media/
Conick, H. (2019, July 30). Gamification is manipulative. Is it ethical? American Marketing Association. https://www.ama.org/marketing-news/gamification-is-manipulative-is-it-ethical/

Note: This text was developed with the assistance of artificial intelligence for research purposes and to refine the linguistic clarity and flow of the final draft.

At this point, humanity finds itself at a critical turning point. The following text is a collection of my key takeaways from the Foundations of Humane Technology course. It explores the challenges posed by modern technology and the paradigm shifts required to build a future that aligns our tools with our human nature and collective well-being.

The sociobiologist E.O. Wilson observed the following: “The real problem of humanity is the following: we have paleolithic emotions, medieval institutions, and god-like technology.”

This massive mismatch makes us incredibly vulnerable. While our tools become more powerful, cheaper, and available to everyone, we are launching them into a world that still operates on ancient biological instincts and outdated political rules. This gap between our power and our wisdom is the greatest challenge of our time.

Each big leap in technology throughout history posed as a double-edged sword. Through the industrial revolution our productivity was increased by a significant amount but brought with it the exploitation of our natural resources and created the climate crisis. The same can be observed in the digital world. At first, algorithms were desgined to help us find content that we like, now they prioritize engagement and clicks. By doing this, they take out attention hostage and they foster the spread of fake news and create a sense of anxiety in the users. The primary intent of many digital platforms has become to keep to user engaged for as long as possible, the sharing of knowledge and care for the user wellbeing has taken second place.

These systems work by making use of persuasive technologies. These are design strategies, that are build to systematically manipulate human behavior. The constant drive for attention has created new economic roles, such as the social media influencer. This, in turn, fueled the demand for photo-editing software that lets people “perfectionize” their appearance. Eventually, this cycle reaches our physical bodies, as people seek cosmetic surgery to look like the digital filters they use online. To fix this, it is not enough to just change a few buttons or settings. The researcher Donella Meadows identified the “Leverage Points”, which give deeper insight into this issue; Real change happens when we shift our fundamental beliefs, the “paradigms” that dictate why and how we build our tools in the first place.

A central lesson in creating humane technology is the difference between “complicated” and “complex” systems. Our current approach often treats the world as a complicated system, like a car engine or a Swiss watch. These systems have many moving parts, but they are predictable and follow set rules. If a watch breaks, an expert can analyze the parts and fix it. Human society on the other hand is complex. It is constantly evolving, alive, and adaptive. In a complex system, every small change can cause a “butterfly effect” that makes long-term prediction impossible. Many of today’s crises exist because we try to solve complex human problems with rigid, mechanical solutions. We treat people like predictable machines, and when they don’t react the way the algorithm expects, the system begins to break down.

To protect our future, we need a new definition of success in the tech world. We cannot solve global challenges like climate change or pandemics if our tools continue to distract us, divide us, and degrade our ability to think together. Instead, we must champion technology that respects our human vulnerabilities rather than exploiting them for profit. We need tools that account for their impact on the whole system, not just the individual user. This means moving beyond simple metrics like “time spent on site” and focusing on real-world values. We can see glimpses of this future in places like Taiwan, where digital tools are used to support “participatory democracy,” helping citizens reach consensus rather than driving them apart.

Transitioning to this new way of thinking requires a coordinated effort from designers, politicians, and users. By showing that humane technology is not only possible but necessary for our survival, we can turn growing public distrust into a demand for a different kind of digital world. We have the opportunity to move away from a model that simply “extracts” our data and attention, and move toward one that supports the shared understanding we need to thrive. The path forward begins with acknowledging a simple truth: technology is not a neutral tool. It is a powerful force that shapes our lives, our minds, and our future. It is our responsibility to ensure that our “god-like technology” serves to elevate the human experience rather than diminish it.

Source:
Center for Humane Technology. (n.d.). Foundations of humane technology (Online course) https://www.humanetech.com/course

Note: This text was developed with the assistance of artificial intelligence for research purposes and to refine the linguistic clarity and flow of the final draft.

Unter den vielen Techniken des Non-Photorealistic Renderings (NPR) ist das Cel-Shading (oft auch Toon-Shading genannt) eine der bekanntesten. Das Ziel: 3D-Objekten das Aussehen klassischer, handgezeichneter Cartoons oder Animes zu verleihen. Charakteristisch dafür sind flache Farben, harte Schattenkanten und markante Outlines.

Der Begriff leitet sich von der traditionellen Animation ab. Bevor Computergrafiken die Leinwand eroberten, wurden Charaktere auf transparente Zelluloid-Folien, sogenannte „Cels“, gemalt und über statische Hintergründe gelegt. Cel-Shading imitiert genau diesen nostalgischen Look und kreiert so die Brücke zwischen moderner 3D-Technik und klassischem Handwerk.

In den späten 1990ern und frühen 2000ern nutzten Entwickler Cel-Shading zunächst bewusst als Gegenpol zu den damaligen 3D-Welten. Videospiele wie Jet Set Radio setzten den Stil ein, um eine urbane Graffiti-Ästhetik mit klaren Konturen, knalligen Farben und überzeichneten Charakteren zu erzeugen, die sich deutlich von „realistischen“ Konkurrenten abhob. The Legend of Zelda: The Wind Waker ging noch einen Schritt weiter und übersetzte eine etablierte 2D-Fantasy-Marke in einen warmen, cartoonhaften 3D-Look, der an handgemalte Illustrationen erinnert.

In den 2000ern wurde Cel-Shading zunehmend genutzt um sehr unterschiedliche Stimmungen erzeugen. Borderlands kombiniert grobe Linien, starke Kontraste und „schmutzige“ Texturen, um einen rauen Comic-Buch-Look zu schaffen, der Gewalt und Humor stilistisch zusammenhält. Okami nutzte ähnliche Grundprinzipien – flächige Farben, harte Schatten und Outlines – aber übersetzte sie in eine Ästhetik, die sich an traditioneller japanischer Tuschemalerei und Holzschnittkunst orientiert. Die stilisierten Pinselstriche, der Eindruck von Papiertexturen und die abstraktere Darstellung der Welt zeigen, dass Cel-Shading nicht an den westlichen Comic gebunden ist, sondern als Rahmen für sehr unterschiedliche kulturelle Bildsprachen dienen kann.

Aktuelle Produktionen wie zum Beispiel Spider-Man: Into the Spider-Verse mischt 3D-Charaktere mit 2D-Linien, Rasterpunkten, vereinfachten Schattenflächen und Comic-Elementen, sodass der Film wie ein bewegtes Comic-Heft wirkt, obwohl er technisch auf moderner 3D-Pipeline basiert.​

Die Beliebtheit von Cel-Shading liegt in seiner reduzierten Komplexität. Anstatt den Zuschauer mit Details zu überfluten, konzentriert sich der Stil auf das Wesentliche: Form, Silhouette und Ausdruck. Das ruft Gefühle von Wärme und Empathie hervor und schafft eine fast beruhigende Klarheit, die den Fokus direkt auf die Story und die Charaktere lenkt.

Für Cel-Shading eignen sich einfache Modelle mit sauberen Silhouetten am besten. Zu feine geometrische Details wirken hier oft störend, da die harten Schatten jede Unebenheit betonen würden. Oft werden Proportionen bewusst überzeichnet, um den Comic-Charakter zu unterstreichen.

Während realistisches Rendering weiche Übergänge anstrebt, nutzt Cel-Shading sogenannte Schrittgradienten (Step Gradients). Das Licht wird nicht sanft abgestuft, sondern in klare Helligkeitsbereiche unterteilt.

Texturen werden beim Cel-Shading sehr bewusst und sparsam eingesetzt. Statt fotorealistischer Oberflächen nutzt man oft handgemalte, reduzierte Texturen. Sie sollen dem Bild Tiefe und Lebendigkeit verleihen, ohne die flächige Wirkung oder die klaren Kanten zu zerstören.

Im letzten Schritt wird auf physikalische Korrektheit verzichtet. Stattdessen werden oft durch Edge Detection Outlines hinzugefügt. Diese schwarzen Linien umranden das Objekt und sorgen für die finale Comic-Ästhetik. Mit Effekten oder gezielter Farbkorrektur wird der stilisierte Look schließlich abgerundet.

Quellenangabe:

Cel Shading: A Comprehensive Guide. (n.d.). https://garagefarm.net/blog/cel-shading-a-comprehensive-guide

How To Do Cel Shading: Techniques & Tools. (n.d.). RebusFarm. https://rebusfarm.net/blog/how-to-do-cel-shading-techniques-tools

Wenn in der Computergrafik von Fotorealismus gesprochen wird, ist das Rendering von Elementen auf Basis physikalischer Prinzipien gemeint. Ziel ist es, ein Bild zu generieren, das von der Realität kaum noch zu unterscheiden ist. Hierbei spielen Faktoren wie anatomische Korrektheit, perspektivische Präzision sowie physikalisch basierte Farben, Texturen und Lichtberechnungen eine wichtige Rolle.

Wie massiv der Fortschritt in diesem Bereich ist, zeigt sich heute in modernen Kinofilmen, High-End-Gaming oder der Werbebranche. Oft fällt es schwer, den Unterschied zwischen digitalen Objekten und realen Elementen zu erkennen. Für Designer bietet diese Technik aber den Vorteil, bereits in der Planungsphase ein visuell finales Abbild eines Produkts zu erstellen.

Mit der Zeit wurde jedoch deutlich, dass der Fortschritt sich auch in die entgegengesetzte Richtung entwickeln kann. Anstatt die Realität perfekt zu kopieren, ermöglichen alternative Rendertechniken einen bewusst stilisierten Look. Dieser wirkt oft erfrischend und vermittelt einen eher nostalgisches, „menschliches“ Gefühl. Häufig lassen sich komplexe Informationen oder emotionale Geschichten illustrativ sogar besser vermitteln als durch einen rein realistischen Look.

Während sich das photorealistische Rendering auf die perfekte Nachahmung einer traditionellen Kamera konzentriert, stellt es die Frage: „Was sehe ich?“. Nichts wird der Vorstellungskraft überlassen; alles basiert auf der Simulation physikalischer Gesetzmäßigkeiten, etwa wie Licht auf verschiedene Oberflächen trifft.

NPR-Techniken gehen einen Schritt weiter. Hier dreht sich die Kernfrage eher um: „Was weiß ich über das Objekt?“. Hier können Parameter bewusst variiert werden: Während beispielsweise die Reflexion eines Objekts physikalisch konstant bleibt, kann seine Größe oder Form abstrahiert werden. Der Rahmen der Physik darf hier zugunsten der künstlerischen Intention überschritten werden.

NPR umfasst alle Verfahren, die Computergrafiken einen stilisierten Look verleihen – von Strichzeichnungen über Ölgemälde bis hin zu Aquarellen. Doch hinter diesem „handgemachten“ Look verbergen sich hochkomplexe Algorithmen, die oft genauso viel Rechenleistung beanspruchen wie fotorealistische Renderings.

Das liegt vor allem daran, dass Techniken wie Cel-Shading, Hatching (Schraffur) oder malerische Effekte eine tiefgehende Analyse der geometrischen Formen erfordern. Der Algorithmus muss Lichtinteraktionen sowie Ecken und Kanten präzise berechnen, um sie anschließend stilisieren zu können. Auch wenn das Ergebnis simpel erscheint, steckt dahinter oft ein enormer Detailgrad, zum Beispiel durch die Simulation einzelner Pinselstriche.

Der finale Look entsteht meist erst durch zusätzliche Schritte wie das Color Grading und die anschließende Animation. In der Hybridanimation entstehen so vielfältige Ästhetiken:

• 2D-3D-Hybridisierung: 3D-Elementen wird ein klassischer, flacher 2D-Look verliehen.
• Verbindung von 3D-Raumtiefe mit der Einfachheit der 2D-Animation: Hier werden 3D-Elemente gerendert und anschließend in einer Komposition mit 2D-Elementen vereint.
• Abstrakte Visualisierung: In der Wissenschaft und Kunst wird NPR genutzt, um komplexe Daten oder Konzepte visuell darzustellen. Durch die Verbindung von Motion Graphics mit der Tiefe des 3D-Raums entstehen so beeindruckende, informative Bilder.

Schlussendlich ermöglicht NPR durch den gezielten Einsatz von Texturen und Stilisierung einen einzigartigen, künstlerischen Look.

Quellenangabe:

Man kennt sie nicht nur aus den Live-Übertragungen, sondern auch aus der bekannten „Drive to Survive“ Netflix-Serie: spektakuläre Onboard-Aufnahmen der Formel 1 Autos. Die Rennwagen sind rundum mit kleinen Kameras ausgestattet, die diese Bilder ermöglichen. Auch deshalb zählen die Übertragungen von Formel 1 Rennen auch zu einer der technisch anspruchsvollsten Produktionen im internationalen Sport. Dabei liefern die Onboard-Bilder nicht nur einen neuen Blickwinkel für das Publikum, sondern auch wichtige Daten für Analysen, Teams und offizielle Kontrollen.

Technisches Reglement der FIA 

Die FIA, die Fédération Internationale de l’Automobile, ist die oberste Autoritäre im Motorsport und schreibt somit auch die technischen Regularien vor. Dazu gehört auch, dass jedes Formel 1 Auto an bestimmten Positionen Kameras und -haltungen aufweisen muss. Laut diesem Reglement müssen insgesamt sieben Positionen vorhanden sein, an denen Kameras oder Kameragehäuse angebracht sein können. Einige Positionen sind dabei fest vorgeschrieben. Dazu gehört beispielsweise die Kamera im Helm des Fahrers. Es gibt aber auch sogenannte „dummy housings“ am gesamten Fahrzeug, die Platz für optionale Kameras bieten. Alle Kameras bzw. Gehäuse müssen dabei in Größe, Form und Masse einheitlich sein. Diese Vorgaben dienen nicht nur den Fernsehausstrahlungen, sondern gewährleisten ein Mindestmaß an Standardisierung für alle Teams, sodass keine Wettbewerbsvorteile zum Beispiel durch aerodynamisch unterschiedliche Kamerapositionierungen entstehen. 

Kamerapositionen

Es gibt mehrere Positionen, an denen die Kameras an den Autos angebracht werden. Meistens sind diese folgende: 

• Top-Cam, auch “T-Cam” genannt: Die T-Cam befindet sich oberhalb des Fahrers, meist auf oder über dem Roll Hoop hinter dem Cockpit. Sie liefert sowohl Front- als auch Rückansichten und ist die dominanteste Kamera im TV-Bild 
• Halo-Kamera:  Oft ist eine Kamera in der Nähe des Halo-Sicherheitsbügels angebracht, die direkt auf den Fahrer gerichtet ist und Einsichten in Lenkarbeit und Sichtfeld gibt 
• Front- oder Nase-Kamera: Diese Kamera befindet sich direkt am Vorderteil des Autos für die Sicht nach vorne  
• Seiten- und Heckkameras: An den Seiten des Monocoques oder anderen Karosseriepunkten sind ebenfalls Kamera angebracht, die zur Erfassung verschiedener Winkel und der Umgebung hinter dem Auto dienen 

Anwendung des Onboard-Footages 

Die Onboard-Kameras wurden eigens für diese Anwendung entwickelt und müssen unter extremen Bedingungen arbeiten. Die Autos – und somit auch die Kameras – sind während eines Rennens hohen Beschleunigungen, Vibrationen, Hitze, Schmutz und Feuchtigkeit ausgesetzt. Außerdem müssen die Kameragehäuse aerodynamisch optimiert werden, damit ihr Luftwiderstand und die Turbulenzen so niedrig wie möglich sind. Gleichzeitig müssen diese Kameras auch Unfälle und Aufpralle überstehen. 

Die Onboard-Kameras verfügen über Linsen und Bildsensoren, die optische Signale aufnehmen, welche dann in ein digitales Signal umgewandelt werden. Dieses digitale Signal wird dann für die Fernsehübertragungen (oder anderwärtige Verwendungen) vorbereitet und mit zusätzlichen Filtern verbessert. Außerdem besitzen die Kameras einen Schutzfilmmechanismus, der sich bei Feuchtigkeit oder Verschmutzungen automatisch über die Linse legt. Dieser Mechanismus wird durch Sensoren und andere Mechanismen im Kamerasystem gesteuert und sicher die Bildqualität. So sind die Onboard-Aufnahmen auch bei Regen oder starken Verschmutzungen gut erkennbar. 

Sobald die Daten fertig sind, sendet die digitale Verarbeitungseinheit im Auto selbst die Videodateien an die Empfängerstationen. Dabei wird ein ebenfalls integriertes Übertragungssystem verwendet. Auch der Transponder des Rennautos spielt dabei eine wichtige Rolle. Dieser sammelt nicht nur wichtige Daten, wie Zeit oder Ortung, sondern kann gleichzeitig auch Befehle an die Kameras übermitteln. Dazu gehört zum Beispiel das Aktivieren des Films oder das Sortieren von Daten. Über eine Antenne im Auto wird das Videosignal dann an die Empfängerstationen am Streckenrand geschickt, die dieses mittels vieler Bodenantennen dann an ein zentrales Übertragungszentrum leiten. Dieses ist dann abschließend für die Bilder und den Ton verantwortlich, die im internationalen TV gezeigt werden. 

Dieses Übertragungszentrum wird zentral von einem Produktionszentrum in London geleitet bzw. gesteuert. Dort wählen die Mitarbeiter:innen zwischen bis zu 120 verschiedenen Kamerafeeds aller Onboard- und Streckenkameras aus, was in der weltweiten Ausstrahlung übertragen bzw. gezeigt wird. In Echtzeit wird so entschieden, welche Kamerasignale an das Publikum gesendet werden. Onboard-Kameras kommen oft dann ins Spiel, wenn es besonders spannende oder spektakuläre Ereignisse, wie Overtakes oder Unfälle, gibt. Dabei können auch gut Telemetriedaten oder Kommentare in das Footage mit eingearbeitet werden, was den Zuschauer:innen einen noch besseren Einblick ermöglicht. 

Fazit

Onboard-Kameras haben maßgeblich verändert, wie das Publikum gewissen Sportarten wahrnimmt. Sie vermitteln ein Echtzeit-Gefühl der Athlet:innen und bauen eine engere emotionale Verbidnung für das Publikum auf. Gleichzeitig liefern sie vor allem in der Formel 1 strategische Analysen und zeigen (sportliche) Entscheidungen aus verschiedenen Perspeltiven. 

Quellen

Fédération Internationale de l’Automobile. (2025). 2024 Formula 1 technical regulations – Issue 2. https://www.fia.com/sites/default/files/fia_2024_formula_1_technical_regulations_-_issue_2_-_2023-08-31.pdf 

Formula1-Dictionary.net. (2025). Transponder and camera. https://www.formula1-dictionary.net/transponder_and_camera.html formula1-dictionary.net

MotorsInside.com. (2023). In English: How do onboard cameras work in Formula 1?https://www.motorsinside.com/en/f1/news/32243-in-english-how-do-onboard-cameras-work-in-formula-1motorsinside.com

YouTube. (n.d.). How F1’s Onboard Cameras Work [Video]. YouTube. https://www.youtube.com/watch?v=SidxhQj04Os  

Dieser Text basiert auf Literaturvorschlägen von Perplexity pro und wurde von ChatGPT korrigiert. Alle Inhalte wurden von mir selbst auf Richtigkeit und Relevanz überprüft und der Text selbst wurde von mir erstellt.

Immer wieder sieht man in Sportdokumentationen die Perspektive der Sportler:innen, was vor allem durch kleine Actionkameras wie beispielsweise GoPros möglich ist. Vor allem im Motorsport ist es üblich, Onboard-Perspektiven der Fahrer:innen zu zeigen, um dem Publikum einen Hauch des Fahrgefühls zu zeigen. Ursprünglich wurden Actionkameras zur Erfassung „extremer Aktivitäten“ entwickelt. Sie haben sich allerdings weit darüber hinaus etabliert und ermöglichen heutzutage eine neue Art des visuellen Storytellings – vor allem aus dokumentarischer Sicht. Dadurch wurde die Produktionsweise von Dokumentationen nicht nur technisch revolutioniert, sondern auch narrativ und ästhetisch. Es gibt nun neue Blickwinkel, Perspektiven und (immersive) Betrachtungsweisen.

Vorteile von Action-Cameras

Action-Cameras haben die traditionelle Kameraarbeit revolutioniert und neue filmische Perspektiven möglich gemacht. Sie zeichnen sich vor allem durch ihre kleine Größe, ihre hohe und einfache Mobilität, die Robustheit und die leichte Montage aus. Die Innovation von Action-Cameras, wie beispielsweise eben GoPros, haben dazu geführt, dass sich die Möglichkeiten für dokumentarische Produktionen erweitert haben. Aus der sonst klassischen Perspektive einer Schulterkamera sind nun Multi-Perspektiven, neue und nicht-lineare Blickwinkel und neue visuelle Möglichkeiten geworden. Dadurch werden vor allem auch Sportdokumentationen transformiert: Authentizität, Immersion und Dynamik wurden erschaffen. Vor allem auch die geringe Größe der Kameras erlauben eine nahe Platzierung zum Beispiel an Körperteilen, Fahrzeugen oder Sportausrüstungen. One-Shot bzw. Onboard-Aufnahmen werden nun unter extremen Bedingungen möglich. Filmcrews sind nicht mehr auf statische bzw. schwere Kameras angewiesen, mit denen sie sich dauerhaft bewegen müssen, sondern können diese Dynamik aus unmittelbarer Nähe filmen. Vor allem Sportdokumentationen leben von Bewegungen – für das Genre sind Action-Cameras ein riesen Vorteil, um Zuschauer:innen weiter in seinen Bann zu ziehen. 

Subjektivität, Perspektive und Identifikation

Action-Cameras haben ein großes Potenzial Subjektivität zu vermitteln. Die kleinen Kameras filmen die „Ich-Perspektive“ der Akteur:innen – im Fall von Sportdokumentationen Sportler:innen – und erschaffen durch ungewöhnliche, nahe Positionen eine intensive Identifikation zwischen Zuschauer:innen und Protagonist:innen. Bilder werden durch das weite Sichtfeld und die physische Nähe zum Ereignis nicht mehr nur zu einer Form der Informationsübertragung, sondern zu einem Teil des Erlebnisses selbst. In Sportdokumentationen bringen diese subjektiven Perspektiven das Publikum sowohl visuell als auch emotional näher an die Athlet:innen heran: Sie befinden sich mitten im Geschehen. 

Actionkameras können aber nicht nur die „Ich-Perspektive“, sondern auch die sogenannte „Third-person-view“ erzeugen. Dabei produzieren sie eine weitere Perspektive, die weder subjektiv noch objektiv ist. Diese Third-Person-View bzw. -Perspektive ist somit eine hybride Form zwischen Beobachter:innen-Perspektive und Teilnehmer:innen-Perspektive. 

Action-Cameras im Sport

Action-Cameras dienen auch als methodische Werkzeuge in Sportdokumentationen. Die POV-Kameras, wie sie auch genannt werden, erfassen emotionale, soziale und köperliche Aspekte des Sports, da sie die Protagonist:innen in Bewegung aufnehmen, während sie sich selbst bewegen. Dabei verschmelzen das Kamerabild mit der Erfahrung bzw. Erwartung der Zuschauer:innen. Da Sportdokumentationen immer wieder mit der Herausforderung konfrontiert werden, komplexe Bewegungsabläufe und gleichzeitig emotionale Ereignisse filmisch überzeugend darzustellen, haben vor allem Action-Cameras einen besonderen Einfluss auf die Authentizität und Tiefe – sowohl im narrativen als auch visuellen bzw. ästhetischen Sinne. Sie dienen also nicht nur dazu dynamische Szenen darzustellen, sondern kreiieren auch selbst einen Spannungsbogen und ermöglichen es so, sportliche Leistungen in Echtzeit – und als One-Shot – darzustellen. Allerdings erfordert das Verwenden von Action-Cameras auch ein bewusstes Reflektieren filmischer Mittel. Subjektive Perspektiven müssen mit Bedacht in die narrativen Strukturen bzw. das Storytelling miteingebracht werden, damit sie auch die gewünschte Wirkung erzielen. 

Gleichzeitig dienen Action-Cameras auch noch der Sportwissenschaft. Durch ihre POV-Perspektive werden nicht nur neue visuelle Bilder ermöglicht, sondern sie sind auch noch eine wissenschaftliche Datenquelle. Wie bereits erwähnt, bewegen sich die Protagonist:innen – also die Träger:innen der Kameras – auch selbst, wodurch ihre Bewegung erfasst wird und so dokumentiert, analysiert und gedeutet werden kann. 

Beispiel „Lucha“ – eine Action-Camera-Dokumentation

Die Sportdokumentation „Lucha“ ist ein perfektes Beispiel für die Anwendung von Action-Cameras. Lucha ist der erste, nur mit einer GoPro aufgenommene Dokumentarfilm und begleitet Profi-Wrestler in Mexiko City. Dabei war das Ziel, die Profi-Sportler außerhalb des Scheinwerferlichts abzubilden und auch ihr Leben außerhalb des Rings authentisch darzustellen. 

Fazit

Action-Cameras haben sich zu einem wichtigen Werkzeug in der Film- bzw. Dokumentarfilmwelt entwickelt. Vor allem für Sportdokumentationen bringen sie viele Vorteile mit sich und ermöglichen neue, immersive Perspektiven für das Publikum. Gleichzeitig dienen sie dazu, One-Shot-Aufnahmen zu erzeugen, und das aus Positionen, die mit einer normalen Kamera nicht möglich gewesen wären. Gleichzeitig werden narrative Strukturen bzw. das Storytelling herausgefordert, neu zu denken und diese Perspektiven sinnvoll anzuwenden. 

Quellen

Bédard, P. (2015). Disembodied perspective: Third-person images in GoPro videos. Alphaville: Journal of Film and Screen Media, 9. https://www.alphavillejournal.com/Issue9/HTML/ArticleBedard.html 

Dux, S., Iseli, C., & Vitija, E. (2020). The impact of camera innovations on visual aesthetics in documentary films – A filmmakers’ perspective. EUROmedia2020 Conference Proceedings. https://papers.iafor.org/wp-content/uploads/papers/euromedia2020/EuroMedia2020_58483.pdf  

Evers, C. (2015). Researching action sport with a GoPro™ camera: An embodied and emotional mobile video tale of the sea, masculinity, and men-who-Surf (Kapitel). Routledge. https://eprints.ncl.ac.uk/216717  

French, G. (2016). Going pro: Point of view cameras in adventure sports research. Journal of Outdoor and Environmental Education, 19(1), 2–9. https://link.springer.com/article/10.1007/BF03400982  

„Lucha“ – der erste GoPro Dokumentarfilm (25. August 2018). GoPro News. https://gopro.com/en/us/news/lucha-libre-aaa-documentary?srsltid=AfmBOooslmEtGan-c-UyVn16KqA3QqbKE1WkithP6EI1CGQ4Vr7Y_E_a  

Dieser Text basiert auf Literaturvorschlägen von Perplexity pro und wurde von ChatGPT korrigiert. Alle Inhalte wurden von mir selbst auf Richtigkeit und Relevanz überprüft und der Text selbst wurde von mir erstellt.

Seit einigen Jahren gibt es ein „neues“ Genre in der Streamingwelt, das immer beliebter wird: Sport-Dokuserien. Insbesondere auf Netflix gab es in den letzten Jahren einige Neuerscheinungen, die nicht nur die bereits bestehenden Fans des Sports erreichten, sondern auch völlig neue Zielgruppen generierten. Einige Beispiele dafür sind die Formel 1 Serie „Drive to Survive“, die Tennis-Doku „Break Point“ oder „The Last Dance“, eine Serie über die Basketballspieler der Chicago Bulls. All diese Dokuserien hatten – oder haben immer noch – einen deutlichen spür- und messbaren Einfluss auf die Kennzahlen des Sports und der Streamingplattformen selbst. Zuschauerbindungen wachsen, immer mehr Fans werden rekrutiert und das Genre bietet einen großen wirtschaftlichen Mehrwert für alle Beteiligten. 

Fan Recruiting: Neue Zielgruppen und Fans

Die traditionellen Formen der Sportübertragung im Fernsehen, wie etwa Live-Übertragungen aus dem Stadion oder simples lineares Fernsehen, haben durch die Digitalisierung immer mehr an Attraktivität verloren. Das ist vor allem bei den jüngeren Zielgruppen deutlich spürbar. Streamingplattformen bieten durch Sport-Dokumentationen eine einfache Lösung für dieses Problem, in dem sie zwar über die sportlichen Ereignisse berichten, aber gleichzeitig noch weit darüber hinaus gehen. Dem Publikum werden Einblicke hinter die Kulissen der Sportler:innen geboten und es bekommt gleichzeitig eine emotionale und bindende Nähe zu den Athlet:innen, Teams und dem Gesamtereignis des Sports. Das ist ein großer Unterschied zu klassischen Sport-Übertragungen. Zuschauer:innen haben das Gefühl, einen persönlicheren Zugang zu den großen Sportler:innen zu bekommen: Unbekannte Geschichten und Gesichter fühlen sich plötzlich so vertraut an. Menschen interessieren sich oft nicht primär für die sportlichen Leistungen, sondern oft für die Menschlichkeit und die Geschichte dahinter. Dadurch werden emotionale Bindungspunkte geschaffen, die vor allem auch für jüngere Zielgruppen zu einem Schlüssel der Identifikation werden.  

Damit bieten Sportserien nicht nur einen Unterhaltungswert, sondern haben auch konkrete Auswirkungen auf die Zuschauer:innen. Neue Fans werden rekrutiert, während gleichzeitig bestehende Gruppen stärker gebunden und deren Engagement erhöht wird. Gerade jüngere Zielgruppen erfahren dadurch einen immersiven Effekt, der dazu beiträgt, dass die Verbindung zwischen Sportart und Publikum noch emotionaler, intensiver und involvierter ist. Die Zuschauer:innen bekommen nun das Gefühl, nicht mehr nur Fan, sondern Teil der Geschichte zu sein. Auch die Zielgruppen, die vorher keinen Bezug zu gewissem Sport hatten, entwickeln durch das Genre eine Affinität zur Sportart selbst. Ein gutes Beispiel dafür ist die Formel 1 Serie „Drive to Survive“, die das vor allem in den USA deutlich spürbar zeigte. 

Storytelling als Schlüssel zum Erfolg

Ein weiterer zentraler Erfolgsfaktor für die Beliebtheit von Sportdokumentationen ist das Storytelling. Die Serien zeichnen sich dadurch aus, dass es sorgfältig konzipierte Spannungsbögen gibt, die weit über das reine Berichten eines Sportereignisses hinausgehen. Den Zuschauer:innen wird ein intimer, persönlicher Einblick mit narrativer Tiefe und einem hohen Produktionswert geboten, was nun zu einer neuen Form der Sportberichterstattung geworden ist. Sport-Serien kombinieren mehrere Dinge: 

• Behind the Scenes: Athlet:innen werden persönlicher gezeigt und auch abseits des Scheinwerferlichts der Sportart selbst
• Humanisierung der Sportler:innen: Die Sportler:innen werden mit all ihren Stärken und aber auch Schwächen gezeigt
• Dramaturgie und hohe kinematografische Qualität 
• Vielschichtiges Storytelling: Auch ohne viel (Sport-)/(Vor-) Wissen kann das Publikum mitfühlen und in die Geschichten eintauchen

Wirtschaftlicher Mehrwert 

Nicht nur für die Sportarten, Athlet:innen und Zuschauer:innen bieten Sportdokumentationen Vorteile. Auch die Streamingplattformen ziehen einen erheblichen medienökonomischen Mehrwert daraus. Allein „Drive to Survive“ generierte für Netflix jahrelang ein signifikantes Umsatzpotenzial. Analysen ergeben, dass allein zwischen 2020 und 2024 nur durch die Sportserie über 290 Millionen US-Dollar Umsatz generiert wurden. 

Gleichzeitig bietet das Genre der Sportserien eine kosteneffizientere Alternative zu den teuren Rechten der Live-Übertragung. Streamingplattformen stehen im direkten Wettbewerb mit Sportrechten, wodurch es durch die Option der Sportserien einen klaren strategischen Vorteil für den Streamingmarkt gibt. 

Ein entscheidender Faktor für die steigende Beliebtheit von Sport-Dokuserien war tatsächlich der Einfluss der Corona-Pandemie. Das Genre startete genau zur gleichen Zeit wie Covid – eine Zeit, in der Live-Sportereignisse sowieso weitgehend ausfielen. So wandten sich Zuschauer:innen Streamingplattformen zu, wenn sie nach sportbezogenem Content suchten, und diesen dann auch dort fanden. 

Zukünftige Herausforderungen 

Derzeit schweben Sport-Dokuserien auf einer Erfolgswelle. Doch trotz der großen Beliebtheit steht das Genre vor einer Herausforderung. Das Risiko der Überproduktion und Übersättigung des Marktes besteht, was dazu führen kann, das einzelne Serien entweder weniger herausstechen und nicht mehr so stark konsumiert werden, oder die Qualität darunter leidet. Gleichzeitig müssen Produzent:innen darauf achten, dass das Gleichgewicht zwischen authentischen Dokumentationen und dem Unterhaltungswert aufrecht erhalten bleibt. 

Notiz der Autorin: Hier findet man eine Liste inkl. Trailer der 13 “besten” Sportdokus auf Netflix

Quellen

Goncalves, D. (2023). Are sports documentaries creating new fans? LaSource. https://www.lasource.io/news/are-sports-documentaries-creating-new-fans LaSource

Hamilton, C. (2025). Netflix is beating the streaming competition at leveraging sports documentaries. TheWrap. https://www.thewrap.com/netflix-sports-documentaries-subscriber-revenue/ TheWrap

Smith, R. (2024). What makes Netflix sports series so compelling: A blueprint for adventure documentaries. Roo Smith. https://roosmith.com/blog/what-makes-netflix-sports-series-so-compelling-a-blueprint-for-adventure-documentariesRoo Smith

Normand, C. (2022). Docu-series: The new solution for recruiting sports fans? SportHeroes Blog. https://blog.sportheroes.com/docu-series blog.sportheroes.com

Dieser Text basiert auf Literaturvorschlägen von Perplexity pro und wurde von ChatGPT korrigiert. Alle Inhalte wurden von mir selbst auf Richtigkeit und Relevanz überprüft und der Text selbst wurde von mir erstellt.

Wie bereits in den letzten Blogposts ausführlichst beschrieben, gibt es immer mehr One-Shot-Filme bzw. nun auch eine Serie: Adolescence. Die neue Netflixserie (2025) ist wohl das aktuellste Beispiel für das Genre, das verstärkt Aufmerksamkeit sowohl bei Filmschaffenden als auch bei der Auseinandersetzung mit Technik oder psychologischer bzw. emotionaler Wahrnehmung findet. Dabei sind die Produktionsarbeiten nicht nur organisatorisch oder aus Kamerasicht äußerst herausfordernd: Auch für Schauspieler:innen erfordert das Filmen von One-Shot-Filmen eine lange Konzentrationsspanne und eine hohe Intensität. Adolescence ist dafür das perfekte Beispiel: Jede Folge der Netflix-Serie wurde als kontinuierlicher Shot gedreht. 

Bedeutung des Genres für Schauspieler:innen

Das Genre zeichnet sich eben dadurch aus, dass es keine (sichtbaren) Pausen innerhalb der Szenen gibt, sondern die Kamer sowohl die Handlung als auch die Akteur:innen ununterbrochen verfolgt. Das bedeutet für Schauspieler:innen vor allem eines: Die Möglichkeit, Pausen einzulegen, Text (neu) zu lernen oder eine Szene aus mehreren Blickwinkeln zu spielen entfällt. Somit muss alles perfekt während eines Takes stimmen: jede Bewegung, jede Reaktion und jeder emotionale Ausdruck. 

Adolescence versuchte diese Schwierigkeit von Anfang an zu minimieren, in dem ganze Folgen mehrere Male durchgeprobt wurden. Erst wenn ein Durchlauf stimmte, wurde er aufgenommen und der Beste für die finale Fassung verwendet. Laut des Kamerateams der Serie dauerte der Dreh pro Episode mit mehreren Takes pro Tag im Durchschnitt drei Wochen, inklusiv der Proben. 

Für Schauspieler:innen bedeutet dies ebenfalls etwas Neues: Die Dreharbeiten erinnern nun mehr an eine Theateraufführung als an einen Filmdreh, da alles von der ersten bis zur letzten Minute stimmen muss. Dabei wird höchste Präsenz und Aufmerksamkeit erfordert. Fehler oder Unachtsamkeiten können nicht mehr durch den Schnitt ausgebessert werden, sondern gefährden nun den gesamten Take. 

Erfahrungsbericht von Owen Cooper (Adolescence)

Die Hauptrolle der Netflix-Serie Adolescenc, Jamie Miller, wurde vom damals 15-jährigen Owen Cooper gespielt. Jamie war Coopers erste professionelle Filmrolle in seiner Karriere und er setzte sich durch über 500 Bewerber:innen für die Rolle durch. Seine Erfahrung bestand lediglich aus Schauspielkursen in der Schule. Trotzdem meisterte der 15-Jährige die Rolle mit Bravour und konnte auch Preise dafür gewinnen: Er ist der jüngste männliche Emmy-Gewinner für eine Hauptrolle. Für Cooper war das Schauspielen ein emotionales und technisches Training. Die Tage am Set waren eine Mischung aus Nervosität und gleichzeitig Freude. Entscheidend für den erfolgreichen Dreh der Serie waren jedoch die Vorbereitungen. Laut Cooper unterliefen die Schauspieler:innen ein zweiwöchiges intensives Training – zuerst mit den jeweiligen Schauspielpartner:innen, dann mit der Kamera – bevor es auch nur zu einer einzigen Aufnahme kam. Der Vorteil war aber, dass somit genug Zeit bestand, die Dialoge auswendig zu lernen und die Emotionen für die stark emotional aufgeladene Serie zu präzisieren und aufrecht zu erhalten. Cooper erzählte, dass seine Technik darin bestand, jeden Tag mehrere Stunden lang seinen Text auswendig zu lernen. Das zwang ihn gleichzeitig dazu, über längere Zeit narrativ und emotional in seiner Rolle als Jamie zu bleiben. Aus psychologischer Sicht ist die kontinuierliche Aufmerksamkeit, mit der Cooper und seine Schauspielkolleg:innen sich den Rollen zuwenden, eine sehr anspruchsvolle Aufgabe. Trotz der intensiven Befassung mit seiner Rolle bereitet es Owen Cooper Unbehagen sich selbst in der finalen Fassung der Serie zu sehen. Cooper sagt, dass ihm das „Erleben vor Ort“ wichtiger ist als die Betrachtung des finalen Produkts, was für die Doppelbedeutung der Schauspielkunst spricht. 

Wissenschaftlicher Kontext: die emotionale Belastung 

Aus (film-) wissenschaftlicher Sicht hat die Art der Kamera-Bewegung und die Kontinuität eines Takes entscheidende Auswirkungen – nicht nur auf das Publikum, sondern eben auch auf die Schauspieler:innen. Forschungen zu diesen Gebieten zeigen, dass bewegte Kameraeinstellungen und langanhaltende Takes das Immersionsgefühl erhöhen. Das Publikum wird stärker in die filmische Welt hineinversetzen. Das bedeutet aber auch, dass die Schauspieler:innen viel länger und intensiver in der erzählten Welt bleiben und diese spielen müssen. Das erhöht nicht nur das Zugehörigkeitsgefühl zur gespielten Rolle, sondern intensiviert extrem die emotionale Belastung. 

Fazit

One-Shot-Produktionen sind also nicht nur für das Publikum etwas ganz besonderes, sondern auch für die gesamte Filmcrew. Vom Ideenfinder bis zu den Konsument:innen ist das Genre ein einzigartiges Erlebnis. Auch die Erfahrungsberichte der Schauspieler:innen von Adolescence bestätigen das. One-Shot-Filme und -Serien verbinden Elemente aus dem Theater mit der Kunst des Filmemachens auf eine ganz besondere Art und Weise, was höchste Präsenz, emotionale Stabilität und Aufmerksamkeit, und viel Technik und Organisation erfordert. Dabei ist eine gute Vorbereitung das A und O. 

Auch aus filmwissenschaftlicher Perspektive wurde erwiesen, wie intensiv One-Shot-Produktionen sind. Die kontinuierliche Kamera und der daraus resultierende Immersionseffekt wirken sich sowohl auf das Publikum als auch auf die Schauspieler:innen aus. One-Shot-Drehs verlangen nicht nur höchste Perfektion, sondern auch eine dauerhafte Präsenz, was sowohl filmisch als auch kognitiv neue Einblicke eröffnet.

Quellen:

Baig, S. (2025). Casting Adolescence: Finding Jamie Miller [Video]. YouTube.
https://www.youtube.com/watch?v=F7BRIlYFpPY

Netflix UK & Ireland. (2025). Adolescence: Owen Cooper interview [Video]. YouTube.
https://www.youtube.com/watch?v=sXUu33oTkRo

Goldberg, L. (2025, März). Adolescence: Stephen Graham and Owen Cooper on the challenges of Netflix’s one-shot drama. The Hollywood Reporter.
https://www.hollywoodreporter.com/tv/tv-features/adolescence-interview-stephen-graham-owen-cooper-netflix-1236182905/

Netflix Tudum. (2025). How Owen Cooper landed the role of Jamie in Adolescence.
https://www.netflix.com/tudum/features/owen-cooper-shaheen-baig-adolescence

Whittock, J. (2025). Adolescence breakout star Owen Cooper set for Wuthering Heights role. Variety.
https://variety.com/2025/tv/global/adolescence-owen-cooper-netflix-wuthering-heights-1236333144/

Kisker, J., Gruber, T., & Schöne, B. (2023). Camera movement influences immersion and emotional engagement in audiovisual narratives. Frontiers in Neuroscience, 17, Artikel 1160843.
https://pmc.ncbi.nlm.nih.gov/articles/PMC10352452/

Dieser Text basiert auf Literaturvorschlägen von Perplexity pro und wurde von ChatGPT korrigiert. Alle Inhalte wurden von mir selbst auf Richtigkeit und Relevanz überprüft und der Text selbst wurde von mir erstellt.

In the previous blog post I talked about Samhain, All Saints’ Day and Halloween. I will describe other festivals about the remembrance of the dead, however I will strictly stick to the sources, as I do not have experience with them. Also, I will (selfishly) pick out the most visually unique ones, but here is a small list of other festivals I found: Pchum Ben,Undas, Luminația, Qingming, Pitru Paksha. If I have gotten anything wrong, please to not hesitate to contact me.

Día de los Muertos / Day of the Dead

The annual Día de los Muertos celebration embodies the Mexican relationship with death. Even though it is a very important and solemn occasion, Día de los Muertos is not considered a time to be sad about the loss of loved ones, but rather a time to be happy for their return. The dead are guests at a feast that the family has prepared in their honor – they enjoy the scent of foods, incense, and flowers but cannot participate in the conversation. To help guide the dead home, relatives spread aromatic flowers that emit a pungent scent leading them toward the ofrenda (altar), where the banquet awaits them.

In some regions, October 27th is the day to remember spirits with no survivors to greet them and no home to visit, and October 28th is set aside for those who died by accident, murder, or other violent means. In contrast, dead children are expected to come home to visit on October 31st, but to leave by November 1st to make room for the adult dead. In the afternoon of November 1st, bells toll at churches announcing the arrival of the “Faithful Dead” (adults). In the evening, complete families may go to the cemetery to offer a vigil for the souls of their loved ones. By midnight, cemeteries are filled with lit candles. The souls return to the world of the dead on the afternoon of November 2nd.

Día de los Muertos instils values that foster hope; those who provide offerings trust that their own survivors will take care of them in a similar fashion after death. In this manner, an individual’s immortality is assured. Mexicans embrace death, as is reflected through this celebration as well as the different rituals that are practiced when someone dies. This celebration also serves to demonstrate the intensity of familial fidelity, a devotion that reaches beyond the grave. This devotion to those who have died also embraces friends and even strangers; offerings are often made to the “ánima sola” (the forgotten soul) or “el muerto desconocido” (the unknown dead). Traditionally, the costumes of children would consist of images of the dead, such as a corpse bride, a catrina (a female skeleton that represents death), or a skeleton.

Gutiérrez, I. T., Rosengren, K. S., & Miller, P. J. (2015). Día de los Muertos: Learning about death through observing and pitching in. In Advances in child development and behavior (Vol. 49, pp. 229-249). JAI.

Festival de Barriletes Gigantes / Día de los Difuntos

The barriletes gigantes developed specifically within a Guatemalan Maya cultural context. The kites reflect centuries of colonialism and Christianity mingled with subversive Indigenous Maya beliefs, while also presenting a vision for the future through their imagery. Their function is not passive but active, inherently invested in constructing Maya culture. If participants successfully get the kite up into the air, they write notes and wrap them around the rope, then wait for the wind to push them upward and transmit the messages to their deceased loved ones.

While small kites are flown in cemeteries throughout Guatemala on Día de los Difuntos, these giant kites are made only in Sumpango and Santiago, Department of Sacatepéquez. These kites represent a fusion of art, religion, and politics. Their construction and display allow the living to honour the ancestors and communicate with them in a communal setting – grief is not individual. Simultaneously, the kites function to raise consciousness among the living about issues of injustice or their heritage. These two functions work together to help promote Maya ways of living and beliefs about life and death, particularly regarding the insignificance of the individual compared to the wider community.

By honouring the past, they also require an investment in the future. Beyond these historical lessons, the kites honour Maya heritage, make a statement about what it means to be Maya in the present day, and offer a vision for the future. These kites occur at the intersection of the past, present, and future of the Maya community, communicating messages between the ancestors, the living, future progeny, and the surrounding nature.

Deutsch, B. (2020). Barriletes Gigantes in Guatemala: Kites as a Communication with the Past and Future (Master’s thesis, Graduate Theological Union).

Um manche Taten oder Lebenssituationen von Charakteren im Film zu verstehen, darf man neben den charakterlichen Eigenschaften, nie das direkte, aber auch weitere Umfeld und vor allem die Gesellschaft vergessen. Gesellschaftlicher Druck, die Auswirkungen davon und wie ein Charakter damit umgeht bietet eine große Basis für einen gesellschaftskritischen Film oder Werbefilm, der die Zuschauer und Zuschauerinnen mitreißt und im besten Falle zum Nachdenken anregt. Um diesen Faktor jedoch in einen Film miteinfließen lassen zu können, muss grundsätzlich der allgegenwertige Druck der Gesellschaft verstanden werden.

Die Definition des gesellschaftlichen Drucks kann folgendermaßen zusammengefasst werden: Gesellschaftlicher Druck ist der Drang danach, Erwartungen und Normen einer oder im Falle des gesellschaftlichen Drucks meist von mehreren Menschen oder Gruppen zu erfüllen, um von diesen Gruppen beziehungsweise der gesamten Gesellschaft akzeptiert zu werden. Dabei gibt es zwei Unterschiede. Zum einen gibt es den Druck von außen, Erwartungen erfüllen zu müssen, damit man akzeptiert wird und zum anderen die Erwartungen und den Druck, den man sich selbst macht, um niemanden zu enttäuschen. (vgl. Kasap 2023)

Im Grunde gibt es gesellschaftlichen Druck immer und überall, nur ist dieser nicht immer exakt gleich ausgeprägt. Denn nur in den seltensten Fällen treffen Menschen Entscheidungen komplett frei von äußeren Einflüssen beziehungsweiße Erwartungen. Der Mensch ist schlussendlich ein soziales Wesen und Entscheidungen werden stark von dessen sozialen Verbindungen, Beziehungen und dem generellen Umfeld beeinflusst. Zudem sucht der Mensch Wege, die ihn nicht herausstechen, aus der sozialen Norm fallen und nach außen hin gut aussehen lassen. Er will normalerweise nicht die Rebellion sein und passt sich deswegen seinem Umfeld an, auch wenn er innerlich gerne anders sein würde. (vgl. Barker-Brooker 2017)

Hierbei ist jedoch der Weg sich anzupassen der einfachere und zumindest oberflächlich und auf kurze Zeit gesehen, der Weg, mit wenigeren Problemen. Denn soziale Kontakte haben einen sehr hohen Einfluss auf das Wohlbefinden sowie die mentale Gesundheit des Menschen. Ein Mangel dieser Kontakte würde sich auf diese beiden Faktoren drastisch negativ auswirken. Somit fühlt es sich im ersten Moment immer besser an sich anzupassen. (vgl. Klinkusch/Lindner 2022)

Gesellschaftlicher Druck kann sich eben auch in eine scheinbar positive Richtung drehen. Wenn man dadurch motiviert wird und auf Spitzenleistungen getrieben wird kann dieser somit natürlich auch positive Resultate mit sich ziehen. Jedoch ist dieser Grat zwischen positiv und negativ so fein, dass ein Fall in die positive Richtung selten ist, beziehungsweise mit der Zeit in eine stark negative Richtung abfällt. Spätestens wenn dieser Druck eine Person daran hinter, sich selbst zu sein, ist dieser negativ und sehr gefährlich. Auch wenn es sich, wie zuvor erwähnt, im Moment besser anfühlt sich anzupassen und nicht sich selbst zu sein, entstehen längerfristig große Schwierigkeiten sich selbst zu akzeptieren und weitere schwerwiegende Probleme. Neben genereller Unzufriedenheit im Leben, Stress und Traurigkeit äußert sich der Druck vor allem in Depressionen, Angstzustände, Burnouts und Schlafstörungen. Diese Auffälligkeiten passieren meist nur im allein sein und werden im Umfeld nicht erzählt geschweigendem nach Hilfe gefragt, sondern unterdrückt, um nicht die „schwache“ Person mit den Angstzuständen zu sein. Das bildet den sogenannten Teufelskreis des gesellschaftlichen Drucks. (vgl. Kasap 2023)

Gesellschaftlicher Druck wird durch Social Media natürlich nochmal verstärkt. Vor allem im Bereich Beruf und Leistung ist auf Social Media das Imposter-Syndrom, also das man sehr starke Selbstzweifel an seine Fähigkeiten aufgrund von anderen, die etwas in den eigenen Augen besser machen oder können, hat, allgegenwertig. (vgl. Rubenthaler 2019)

Jedoch ist es meist das unmittelbare Umfeld, Familie und Freunde, die den Druck ausüben, ohne dass sie es überhaupt merken oder bewusst machen. Die passiert vor allem in der zweiten Variante des gesellschaftlichen Drucks: sich selbst den Druck zu machen um niemanden, vor allem nicht Menschen, die einem was bedeuten, zu enttäuschen. (vgl. Story.one 2023)

Abschließend braucht es noch ein paar Beispiele, um zu verstehen bei welchen Faktoren gesellschaftlicher Druck auftreten kann. Hierbei fühlt es sich für die betroffene Person meist so an, dass die Gesellschaft diesem Menschen das Gefühl gibt, das man anders ist und somit nicht wirklich dazu passt (vgl. Hielscher 2015):

• Sexualität: Homo-/Bi-/A-/Transsexualität passt nicht in die heteronormative Gesellschaft 
• Geschlechterrollen: Männer dürfen keine Schwäche zeigen; Frauen sollen leise sein; Klassische Frauen und Männerberufe dürfen nicht aufgebrochen werden
• Beziehung und Familie: Druck eine Beziehung/Hochzeit/Kinder zu haben
• Körper und Aussehen: Schönheitsideale erfüllen
• Beruf und Leistung: Erfolgreich und studiert sein; Burnout gilt als Schwäche und Arbeitslosigkeit ist eine Scham
• Herkunft, Kultur und Religion: Kultur/Religion aufgeben, um Konflikte zu meiden; Rassismus ertragen
  
  

Kasap, Erkan (27.08.2023): Gesellschaftlicher Druck. Sich von Erwartungen lösen, und sich selbst treu bleiben. In: Erkan Kasap, https://www.erkankasap.com/post/gesellschaftlicher-druck-sich-von-erwartungen-lösen (zuletzt aufgerufen am 15.12.2025)

Barker-Brooker, Francesca (26.07.2017): How does society influenve one’s behavior?. In: The Decision Lab, https://thedecisionlab.com/insights/consumer-insights/impact-social-components-human-behaviour (zuletzt aufgerufen am 15.12.2025)

Klinkusch, Julia/Lindner, Felicitas Eva (17.03.2022): Mentale Hochsensibilität. Sich nicht zugehörig fühlen. In: Selfapy, https://www.selfapy.com/magazin/wohlbefinden/mentale-hochsensibilitaet-sich-nicht-zugehoerig-fuehlen (zuletzt aufgerufen am 15.12.2025)

Rubenthaler, Sarah (25.08.2019): Ständiger Gesellschaftsdruck. Generation überfordert. In: Psychoanalytikerin Wien, https://psychoanalytikerin-wien.at/staendiger-gesellschaftsdruck-generation-ueberfordert/ (zuletzt aufgerufen am 15.12.2025)

Story.one (01.09.2023): Sozialer Druck Verstehen. In: Story.one, https://www.story.one/de/story/sozialer-druck-verstehen/ (zuletzt aufgerufen am 15.12.2025) 

Hielscher, Bettina (01.12.2015): Wenn du das Gefühl hast, nicht in die Welt zu passen. In: Bettina Hielscher, https://www.bettinahielscher.de/nicht-in-welt-passen/ (zuletzt aufgerufen am 15.12.2025)