Author: valentina.lohr

Mittlerweile gibt es schon einige One-Shot-Filme bzw. -Serien, wie die letzten Blogposts gezeigt haben. Allerdings sind einige von ihnen nicht in einem Take gedreht, sondern die Schnitte sind durch sogenannte invisible cuts, also unsichtbare Schritte, getarnt. So vermitteln Filme, oder auch nur einzelne Szenen, den Eindruck einer einzigen, durchgehenden Einstellung, obwohl das Material aus mehreren Takes zusammengesetzt wurde. Diese invisible cuts dienen dabei nicht nur als technische Lösung, sondern sind auch ein stilistisches Mittel. Diese Form der Darstellung vermittelt ein anderes Gefühl von Zeit und Raum, während es gleichzeitig eine durchgehende Erzählform aufzeigt. 

Begriffsdefinition und Theorie

Der Begriff „invisible cut“ statt aus dem „continuity editing“, also dem Kontinuitätsschnitt. Unsichtbare Schnitte beschreiben die Technik, bei der Übergänge zwischen zwei Einstellungen für die Zuschauer:innen nicht mehr erkennbar sind. Das Ziel ist es, eine kontinuierliche, „echte“ Wahrnehmung von Handlung und Raum zu erzeugen. Dabei werden diese Schnitte absichtlich unsichtbar platziert, damit offensichtliche Schnitte nicht die Aufmerksamkeit des Publikums auf sich ziehen. Unter invisible cuts versteht man sowohl die einfachen Matching-Techniken, die einen Schnitt unsichtbar machen, als auch das Planen und komplexe Choreographieren der Übergänge während des Filmens. 

Invisible Cuts in One-Shot-Filmen 

Besonders One-Shot-Filme bzw. -Serien (oder einzelne Szenen) profitieren von dieser Art der Transition, da sie den Eindruck erzeugen wollen, dass die Kamera eine durchgehende Handlung ohne Unterbrechungen zeigt. Durch invisible cuts wird die Montage verschleiert und die narrative Kohärenz und Kontinuität wird beibehalten; die Aufmerksamkeit des Publikums bleibt bei der Handlung.

Die Illusion eines One-Shot-Films wirkt auf Zuschauer:innen immer immersiv und realitätsnah. Kontinuierliche Takes vermitteln Authentizität, Dynamik und auch emotionale Nähe zu den handelnden Figuren. Das wird entweder durch ein kontinuierliches Filmen hergestellt oder eben durch invisible cuts, die technische Unterbrechungen kaschieren. 

Gleichzeitig haben invisible cuts bzw. unsichtbare Transitions auch Vorteile im Bezug aufs Geld, vor allem bei Low-Budget-Produktionen. Durch präzise Planung und gezielte Kameraarbeiten lässt sich ein One-Shot-Film auch ohne teures Equipment o.ä. erzeugen, ohne dass die Professionalität verloren geht. Das eröffnet auch Newcomer:innen, Content-Creators oder Independent-Filmemacher:innen neue Möglichkeiten, etwas Neues auszuprobieren. 

Die Techniken hinter invisible cuts 

Es gibt natürlich verschiedene Techniken, die invisible cuts bzw. Transitions zwischen Takes ermöglichen. 

1. Match-Cuts 

Ein Match-Cut nutzt visuelle Übereinstimmungen zwischen zwei Einstellungen, wie beispielsweise Farben, Formen, Bewegungen oder Kompositionen. Diese werden über den Schnitt hinaus synchronisiert. So wirkt der Übergang für Zuschauer:innen fließend. Match-Cuts gehören zu den klassischen Werkzeugen des Continuity-Editing und wird auch häufig bei One-Shot-Filmen eingesetzt. 

• Maskierungen durch Objekte 

Eine weitere Möglichkeit der invisible Transitions ist das Maskieren des Bildes durch bewegliche Objekte. Dabei verdeckt irgendwas – eine Figur, ein Gegenstand, ein Element der Umgebung oder ein Gebäude – kurzzeitig die Kamera, wodurch ein Schnitt gemacht werden kann, ohne dass er auffällt. Solche Übergänge lassen sich auch in der Postproduktion umsetzen. Sie dienen dazu, räumliche oder zeitliche Sprünge zu kaschieren. 

• Motion Blur 

Eine weitere Art der invisible Transitions ist das Kombinieren von schnellen Kamerabewegungen, wie Whip Pans oder Schwenks, mit Bewegungsunschärfe bzw. Motion Blur. Durch die schnellen Bewegungen verschwimmen Details, wodurch ein Schnitt weniger auffällt. Dabei ist allerdings auch Präzision gefordert: Kamerabewegung, Geschwindigkeit und Bewegungsrichtung müssen genau aufeinander abgestimmt sein, damit eine nahtlose Illusion erzeugt werden kann.

• Planung 

Was natürlich einer der wichtigsten Faktoren für unsichtbare Übergänge bzw. Schnitte ist, ist die Planung. Bereits in der Pre-Production müssen diese invisible cuts geplant werden, damit Farben, Licht, Bewegungen und Bildkompositionen zwischen den einzelnen Takes übereinstimmen und konsistent sind. Außerdem muss es zum Storytelling bzw. der Narration passen.  

• Einsatz von Editing-Softwares

In den heutigen Editing-Softwares, wie beispielsweise Adobe After Effects oder DaVinci Resolve, gibt es zahlreiche Werkzeuge, die es ermöglichen, invisible cuts bzw. Transitions zu realisieren. Masking, Motion Blur oder Matching-Werkzeuge erleichtern die nahtlose Umsetzung und senken die Risiken für technischen Schwierigkeiten erheblich. 

Narration und Storytelling von invisible cuts 

Wie bereits erwähnt erfüllen invisible Transitions neben den technischen Funktionen auch zentrale narrative Aufgaben. Sie vermitteln den Eindruck, dass alle Ereignisse in einem kontinuierlichen Raum und in Echtzeit stattfinden. Gleichzeitig bleibt die emotionale Bindung der Zuschauer:innen durch das Vermeiden abrupter Schnitte erhalten, während gleichzeitig Platz für kreative Inszenierungen bleibt. Einige Forschungen zeigen, dass sorgfältig geplante aber unsichtbare Transitions selbst bei geringem Filmbudget eine überzeugende Wirkung haben und die visuelle Qualität steigern können. 

Herausforderungen 

Trotz der viele Vorteile, die in diesem Artikel aufgezeigt wurden, gibt es auch einige Herausforderungen und Grenzen, die die unsichtbaren Transitions mit sich bringen. Dazu gehören ein hoher Planungsaufwand und viel Vorbereitungszeit, um alles perfekt umzusetzen und die Wirkung nicht zu verlieren. Gleichzeitig sind schnelle Bewegungen erforderlich, die wiederum Stabilisierung benötigen. Auch die Narration muss weiterhin verständlich bleiben – es ist eine Balance zwischen Unsichtbarkeit und Verständlichkeit, um die Zuschauer:innen nicht zu verwirren. Auch trotz der entwickelten Softwares bedarf es trotzdem an viel Know-How, Übung und Erfolg. 

Quellen

Pfenninger, J. (2014). Invisible Cuts in One-Shot Films. Liberty University. Retrieved from https://digitalcommons.liberty.edu/cgi/viewcontent.cgi?article=1341&context=masters

Kween Media. (n.d.). Invisible Cuts: Video Editing Techniques for Seamless Transitions. Retrieved from https://kweenmedia.in/invisible-cuts-video-editing/

Content Fries. (n.d.). How to Create Seamless Transitions: Mastering the Art of Dynamic Video Editing. Retrieved from https://www.contentfries.com/blog/how-to-create-seamless-transitions-mastering-the-art-of-dynamic-video-editing

Dieser Text basiert auf Literaturvorschlägen von Perplexity pro und wurde von ChatGPT korrigiert. Alle Inhalte wurden von mir selbst auf Richtigkeit und Relevanz überprüft und der Text selbst wurde von mir erstellt.

In den letzten Jahren haben sich Sportdokumentationen sichtlich vermehrt und an Beliebtheit gewonnen. Vor allem das Zusammenspiel aus Realität und Emotionen, sowie ein Näherbringen der Athlet:innen und die zunehmende Rolle globaler Streamingplattformen haben dafür gesorgt, dass immer mehr Sportdokumentationen das Licht der Welt erblicken. Dabei besitzt dieses Genre nicht nur ein gesellschaftliches, sondern auch ein wirtschaftliches und kulturelles Wirkungspotenzial. 

Die Logik hinter Sportdokumentationen 

Nicht nur für das Storytelling, um das es in dem letzten Blogpost ging, sondern auch für die Auswirkungen und potenziellen Möglichkeiten von Sportdokumentationen sind die Logiken hinter dem Genre von großer Bedeutung. Dabei gibt es fünf Grundprinzipien: Sport ist narrativ, visuell spektakulär, von Kapital durchdrungen, besitzt seine eigene Ausdruckskraft und bringt das Publikum dazu, über Medien und ihre Funktionen nachzudenken. Fast alle Sportarten werden heutzutage medial vermittelt, sei es nun in Form von Social Media, Live-Übertragungen, Podcasts oder eben Sportdokumentationen. Dadurch nimmt das Publikum nicht nur den Sport an sich war, sondern beobachtet gleichzeitig immer, wie die Medien ihn darstellen: medial, narrativ oder durch die Bildsprache. 

Um dies auf das Genre der Sportdokumentationen zu übertragen: Durch diese wird der Sport nicht nur in seiner bestehenden Realität abgebildet, sondern ihm wird eine gewisse Struktur gegeben. Sportdokumentationen strukturieren die Sportarten aktiv, interpretieren Dinge hinein, geben ihm eine Geschichte und laden das Geschehene emotional auf. Dadurch entsteht ein Aufbau von Spannung, Konflikte, Höhen und Tiefen, ausgeprägte Charaktere (und manchmal Heldenfiguren) und Wendepunkte. So wird die Wahrnehmung der Zuschauer:innen aktiv geprägt und geleitet. Um zu den Logiken zurückzukehren: In Sportdokumentationen wird der Sport also nicht nur dokumentiert, sondern gleichzeitig inszeniert und wird somit ein bedeutender Teil der Kultur. 

Ökonomische Bedeutung 

Durch das Aufkommen und die große globale Rolle der Streamingplattformen, haben Sportdokumentationen eine andere Bedeutung bekommen. Sie werden nun von einem viel breiteren Publikum konsumiert. Dadurch wird das Genre zu einem strategischen Werkzeug für Medienunternehmen und Sportrechteinhaber:innen. Vor allem Netflix und Amazon Prime haben sich die steigende Beliebtheit von Sportdokumentationen zu Nutzen gemacht, um ihre Zuschauer:innen langfristig und binden. Ein weitere Vorteil durch die große Reichweite von Streamingplattformen ist die Anzahl an neuen Zielgruppen durch das breite Publikum. Gut produzierte Sportdokumentationen vermitteln Emotionen und individualisieren Vereine, Teams und die Athlet:innen, wodurch das Interesse an Sportarten außerhalb der klassischen Zielgruppe gesteigert wird. So breitet sich das Genre immer weiter aus und verlängert vor allem die Lebensdauer der sportlichen medialen Inhalte. Zusätzlich gibt es auch für den Sport selbst noch weitere Vorteile: Durch die wachsende Aufmerksamkeit profitieren auch Sponsor:innen, Markenbildung und das Image der Sportarten. So erhalten Athlet:innen mehr finanzielle und mediale Unterstützung, sowie größere Reichweiten und Vermarktungsoptionen, was wiederum die wirtschaftlichen Dynamiken innerhalb des Sports verändert. 

Wie bereits erwähnt, verstärken Streamingplattformen die Relevanz von Sportdokumentationen zusätzlich. Dadurch werden die Publikumsstrukturen und Zielgruppen der Sportarten erheblich verändert. Ein gutes Beispiel dafür ist „Drive to Survive“. Die Serie zeigt viele Einblicke in die Welt der Formel 1, die davor als „reicher Männersport“ gegolten hat. Durch die Sportdokumentation in Form einer jährlich wiederkehrenden Serie, erfuhr die Formel 1 eine deutliche Verjüngung des Publikums, die nach dem Konsumieren der Serie zu Live-Zuschauer:innen wurden. Das war vor allem bei den amerikanischen Rennen der Fall, die viel mehr Aufmerksamkeit und einen starken Zuwachs an Zuschauer:innen nach dem Release der Serie erfuhren. Außerdem änderte sich auch das Geschlecht des Publikums drastisch und besteht mittlerweile auch fast jeweils 50% Männern und 50% Frauen. 

Dieses Beispiel zeigt, dass Sportdokumentationen Sportarten große Chancen bieten, um neue Zielgruppen, Aufmerksamkeit oder Reichweite zu gewinnen. Sie schaffen Identifikation, in dem sie Sportler:innen tatsächlich als Menschen mit Geschichten, Problemen und Erfolgen zeigen und einen Blick hinter die Kulissen werden. Diese Form der Emotionalisierung und Identifikation kann nachhaltig das Image einer Sportart prägen und ihr internationale Aufmerksamkeit verschaffen. 

Weitere Möglichkeiten 

Sportdokumentationen haben aber auch ein bedeutendes Potenzial, Lernprozesse (vor allem Sozial- und Zeitgeschichtliche) zu fördern. Sportarten stehen stets in einem sozialen, politischen und ökonomischen Zusammenhang, sodass Sportdokumentationen als Brücken zwischen diesen Welten steht und somit neue Entwicklungen schaffen kann. Sie ermöglichen auch die Vergangenheit oder historische Prozesse in emotionaler oder narrativer Form für das Publikum zugänglich zu machen. Durch das Genre werden individuelle Schicksale, sportliche Konflikte oder Ungleichheiten, sowie gesellschaftliche Entwicklungen dargestellt, aufgearbeitet und verknüpft. 

Kritik am Genre 

Durch die große Aufmerksamkeit und Reichweite von Sportdokumentationen kamen natürlich auch kritische Stimmen auf. Auch wenn das Genre eine große Begeisterung erfährt, sollte das Publikum auch die Nähe zur Vermarktung reflektieren. Viele Produktionen leisten keine klassische journalistische Arbeit, sondern rücken vielmehr Marketing- oder Vermarktungsstrategien in den Vordergrund. Dadurch kamen immer mehr Fragen in Bezug auf Objektivität, kritischer Distanz und Transparenz auf. Es besteht die Gefahr, dass Konflikte, Probleme und kontroverse Themen unzureichend oder falsch beleuchtet werden. Auch hier ist „Drive to Survive“ ein gutes Beispiel, da die Serie mit den zunehmenden Staffeln immer weiter in die Kritik rückt. 

Fazit 

Sportdokumentationen haben definitiv an Bedeutung gewonnen und spielen eine große Rolle für die verschiedenen Sportarten, aber auch Streamingplattformen. Sie profitieren gegenseitig voneinander, sei es nun in Form von neuen Publikumsgruppen, großen Reichweiten oder emotionalen Geschichten. Außerdem eignet sich das Genre als gutes Vermittlungswerkzeug von Konflikten, Missständen oder historischen Prozessen. Trotzdem stellt die Kommerzialisierung ein Risiko dar, weshalb Sportdokumentationen immer mit Bedacht konsumiert werden sollten. Es ist jedoch deutlich zu sehen, dass Sportdokumentationen zu einem unverzichtbaren Bestandteil des modernen Sports geworden sind. 

Quellen: 

Malitsky, J.: Knowing Sports: The Logic of the Contemporary Sports Documentary.
https://people.southwestern.edu/~bednarb/capstone/capstone_materials/neal-reading.pdf

Sheard, R.: The Evolution of the Sports Documentary and Impact on the Media Ecosystem. https://www.linkedin.com/pulse/evolution-sports-documentary-impact-media-ecosystem-rob-sheard-4ohye

Brugar, K. A.: 30 For 30: An Inquiry into Sports Documentaries to Engage in Social History. https://societyforhistoryeducation.org/pdfs/F16_Brugar.pdf

Deutschlandfunk: Marketing-Experte zu Sport-Dokus: Netflix und Co. sind eine große Chance. https://www.deutschlandfunk.de/sportdoku-netflix-einfluss-tennis-100.html

Dieser Text basiert auf Literaturvorschlägen von Perplexity pro und wurde von ChatGPT korrigiert. Alle Inhalte wurden von mir selbst auf Richtigkeit und Relevanz überprüft und der Text selbst wurde von mir erstellt.

Drive to Survive, Break Point, Quaterback und viele mehr: Mittlerweile gibt es unzählige Sportdokumentationen als Serie oder Film auf Streamingplattformen zu sehen. Durch sie wurde nicht nur mehr Interesse an Sportarten erweckt, sondern auch immense Zuschauer:innenzahlen bei den Veranstaltungen generiert, wie es beispielsweise in der Formel 1 zu sehen ist. Dabei spielt vor allem eines eine zentrale Funktion: das Storytelling. 

Die Narrativierung 

Die Narrativierung, also der Prozess, Fakten und Ereignisse zu einer Geschichte zu machen, die Werte und Emotionen verbindet, stellt ein Schlüsselelement von Sportdokumentationen dar. Dabei gibt es vor allem eine ausschlaggebende Charakterisierung: Sportveranstaltungen sind immer bereits erzählt. Sportdokumentationen selbst werden medial vermittelt und eingebettet, so dass die Dokumentationen diese Erzählungen übernehmen und rekontextualisieren. Joshua Mailtsky, ein amerikanischer Professor an der Media School in Indiana, USA,  formuliert fünf Kernthesen, die zeitgenössische Sportdokumentationen auszeichnen: Sport ist mit Kapital verbunden, visuell spektakulär, feiert individuelle Ausdrucksformen, ist bereits narrativisiert, und impliziert immer Medialität. 

Die Narrativierung bei Sportdokumentationen funktioniert so, dass die bestehenden Sportereignisse als Ausgangspunkt genommen und durch filmische Mittel in mitreißende Erzählungen verwandelt werden. Diese können beispielsweise Auswahl, Sequenzierung, Kommentar oder ästhetische Hervorhebungen sein. Damit besteht die Funktion des Storytellings nicht nur in der Deskription, sondern auch in der Interpretation des Publikums. Narrative Strukturen vereinfachen Komplexität, schaffen Charaktere, Konflikte, Wendepunkte und damit Identifikations- und Reflexionsräume. Für Sportdokumentationen bedeutet das vor allem: Herausforderungen, Held:innen, Triumph, Sieg und Niederlage. Dies unterstützt auch die emotionale Einbindung des Publikums. 

 Der visuelle Aspekt 

Ebenso wichtig ist die visuelle Gestaltung von Sportdokumentationen.  Sport bietet von Natur aus visuelle Elemente – Bewegungen, physische Auftritte, Emotionen im Körper – und Dokumentarfilme greifen diese Qualität auf und verstärken sie beispielsweise durch Wiederholungen, Zeitlupe, Großaufnahmen etc.  Auch im Sportjournalismus werden audiovisuelle Mittel bewusst eingesetzt: Musik, Bild- und Videomaterial, Animationen, Voice-Over. Diese Mittel verstärken die Erzählung und schaffen eine eindringliche Erlebnisebene für das Publikum.  

Storytelling in Sportdokumentationen nutzt nicht nur die Narration im Sinne von Plot, sondern eben auch die visuelle Ebene, um das Publikum emotional zu erreichen. 

Die Individualisierung 

Ein dritter Aspekt beim Storytelling in Sportdokumentationen ist die Ausrichtung der Erzählperspektive auf individuelle Charaktere. Häufig funktionieren die Erzählungen dabei nicht nach strukturellen bzw. kollektiven Formen, sondern rücken eine Person zusammen mit ihrem Ausdruck, ihren Eigenarten und ihrem Charakter in den Fokus. Dadurch werden die Athlet:innen dem Publikum nähergebracht, was eine Identifikationsebene für dieses bietet. Außerdem werden sie so „gleich und doch anders“ dargestellt, was ihre menschliche Art und trotzdem die Einzigartigkeit durch das Ausüben des Sports zeigt. Diese Individualisierung hat mehrere Effekte: Sie emotionalisiert das Thema, schafft Identifikation und erleichtert narrative Klarheit. Gleichzeitig lädt sie aber auch dazu ein, die Athlet:innen als Symbole jenseits des Sports bzw. der Sportart darzustellen. 

Insgesamt lässt sich sagen, dass Storytelling in Sportdokumentationen von der Spannung zwischen individuellen, persönlichen Geschichten und dem größeren Kontext lebt. Vor allem die Verletzlichkeit, Menschlichkeit, das Scheitern oder die Außenseiterrolle führen oft zu erzählerischen Verlaufsachsen und verleihen den Dokumentationen einen emotionalen Touch. 

Die Medialität 

Ein weiterer zentraler Aspekt des Storytellings bei Sportdokumentationen ist die Medialität. Wie bereits in den oberen Absätzen erwähnt, bestehen sportliche Ereignisse vor allem auch durch die Medien und Sportdokumentationen basieren auf deren Narration. Auch Malinsky sagte das: „Thinking about sport always entails thinking about and through media“. Ein Sportereignis wird nahezu immer von irgendeiner Form der Medien begleitet und durch sie vermittelt: Live-Übertragungen, Wiederholungen, Interviews in TV und Radio. Dokumentarfilme treten häufig mit diesem medialen Vorwissen in den Dialog, in dem sie mit Archivmaterial, Videos, Fernsehbildern und Interviews arbeiten. Dabei wird gleichzeitig auch der mediale Rahmen reflektiert, in dem Sport beobachtet und erinnert wird. Diese Medialität hat weitere positive Aspekte: Digitale Werkzeuge im Sport werden durch Medienkompetenzen, visuelle Narrationen und Multi-Modalität ergänzt, wodurch sie zu zentralen Bildungsdimensionen zum Beispiel für Studierende werden. 

Zusammengefasst bedeutet dies also: Sportdokumentationen nehmen nicht nur eine Geschichte auf und erzählen sie dem Publikum. Sie reflektieren gleichzeitig, wie diese Geschichte medial repräsentiert wurde und auch wird. Dadurch wird eine Erzählung immer auch zu einer Medialisierung.  

Fazit 

Storytelling in Sportdokumentationen ist also viel mehr als nur eine Erzählung dessen, was passiert ist. Es umfasst die Strukturierung und Narration von Ereignissen, die visuelle Inszenierung und Ästhetik und auch die mediale Dynamik. Außerdem beinhaltet es den Fokus auf individuelle Charaktere und eine kritische und reflexive Einbettung in Medienkulturen durch die starke Medialität des Sports. All diese Aspekte wirken zusammen: Eine Sportdokumentation wählt, bewertet, inszeniert und schafft Bedeutung, indem sie die Sportereignisse in eine dramaturgische Form bringt. Die Körperlichkeit, die Sport mit sich bringt, wird in Bildsprache verwandelt, während Persönliches vergrößert und emotionalisiert wird. Durch den Konsum von Sportdokumentationen bekommt das Publikum nicht nur eine Geschichte, sondern auch eine mediale Erzählung der Wahrheit durch die Reflexion der medialen Inhalte. 

Quellen: 

Malitsky, J. (2014): Knowing Sports: The Logic of the Contemporary Sports Documentary. Journal of Sport History, Vol. 41 (2), S. 205-214. https://people.southwestern.edu/~bednarb/capstone/capstone_materials/neal-reading.pdf  

Matsiola, M.; Spiliopoulos, P.; Tsigilis, N. (2022): Digital Storytelling in Sports Narrations: Employing Audiovisual Tools in Sport Journalism Higher Education Course. Education Sciences, 12, 51. https://files.eric.ed.gov/fulltext/EJ1324897.pdf 

Brugar, K. A. (2016): 30 for 30: An Inquiry into Sports Documentaries to Engage in Social History. https://www.jstor.org/stable/24810478

Dieser Text basiert auf Literaturvorschlägen von Perplexity pro und wurde von ChatGPT korrigiert. Alle Inhalte wurden von mir selbst auf Richtigkeit und Relevanz überprüft und der Text selbst wurde von mir erstellt.

Wie sich bereits in den vergangenen Blogposts zum Thema „One-Shot-Filme“ herauskristallisiert hat,  gewinnt das Genre zunehmend an Bedeutung. One-Shot-Filme beeinflussen nicht nur die ästhetische Wahrnehmung, sondern auch die psychologische Reaktion des Publikums. Beispielsweise erzeugen sie die Illusion, dass Zeit und Raum kontinuierlich sind, wie im realen Leben. Parallel dazu schafft es das Genre, das Publikum intensiver in die Handlung hineinziehen, gerade weil sichtbare Schnitte fehlen.

In diesem Blogpost werden drei zentrale Wirkungsbereiche untersucht: die Immersion und Aufmerksamkeit, die emotionalen und psychologischen Effekte, und die kognitiven und wahrnehmungsbezogenen Reaktionen.

1. Immersion und Aufmerksamkeit

Einer der häufig genannten Effekte von Long-Take-Filmen ist die erhöhte Immersion der Zuschauer:innen. Laut Wikipedia wird Immersion als psychologischer Effekt definiert, durch den das Publikum so tief in eine virtuelle Welt eintaucht, dass die Realität in den Hintergrund rückt oder gar ganz verschwindet. Durch das Wegfallen sichtbarer Schnitte entsteht ein Eindruck von Kontinuität – die Kamera folgt unmittelbar der Szene, ohne Unterbrechung. Das Publikum bekommt das Gefühl, dass es selbst Teil des Films ist. Es erlebt die Szene(n) in Echtzeit, was einen größeren Effekt auf die Aufmerksamkeit hat als konventionelle Shots. Raum und Bewegung werden anders wahrnehmbar, wodurch Aufmerksamkeit und räumliches Bewusstsein der Zuschauer:innen steigen. Gleichzeitig bedeutet das auch, dass die Aufmerksamkeit des Publikums stärker aufrechterhalten wird, da der ständige Schnitt als „Moment der Reflexion“ fehlt und ein Flow der Wahrnehmung erzeugt wird. Besonders bei Situationen mit hohem Handlungsdruck kann dies den Spannungs­aufbau verstärken.

2. Emotionale und psychologische Effekt

Über die Aufmerksamkeitsbindung hinaus bieten One-Shot-Filme auch tiefere emotionale Effekte. Weil das Publikum nicht aus dem Handlungsablauf herausgerissen wird, entsteht, wie bereits erwähnt, eine Form des kontinuierlichen Erlebens: der Zeitablauf und die Handlung wirken unmittelbarer und realer. Es entsteht die Illusion, dass Raum und Zeit kontinuierlich sind, wie im realen Leben. Dies kann dazu führen, dass Emotionen intensiver wahrgenommen werden. Durch das Fehlen von Schnitten passiert ein fortlaufender Erlebensstrom. Das Publikum fühlt sich in einer Weise beteiligt am Geschehen: Es hat das Gefühl beispielsweise „im Auto mitzufahren“ oder „in Echtzeit mitzuerleben“.

Im psychologischen Sinne bedeutet dies eine erhöhte Empathie, eine stärkere Bindung an Figuren und eine gesteigerte Spannung. Gleichzeitig wird ein filmischer Realitätsbezug wird erzeugt, was Emotionen unmittelbarer wirken lässt. 

3. Kognitive und wahrnehmungsbezogene Reaktionen

Neben Emotionen und Aufmerksamkeit betrifft die Wirkung von One-Shot-Filmen auch kognitive und wahrnehmungsbezogene Prozesse: insbesondere, wie bereits erwähnt, die Wahrnehmung von Zeit, Raum und Handlungsablauf. Durch das Fehlen von Schnitten wird die räumliche und zeitliche Kontinuität stärker betont. Lange Einstellungen, Kamera­bewegungen und Inszenierungen werden genutzt, um Raum zu erweitern oder neu zu definieren, was wiederum das Bewusstsein der Zuschauer:innen beeinflusst.  Dadurch erleben sie weniger eine filmisch vermittelte Zeit und mehr eine Art Echtzeitgefühl. Dies kann sowohl positiv sein, wie beispielsweise ein steigendes Erleben oder intensives Vorgehen, als aber auch herausfordernd, da es keine Erholungspausen gibt und eine Ermüdung oder Überforderung des Publikums möglich ist. Allerdings gilt auch für One-Shot-Filme, dass auch wenn die Wahrnehmung intensiver ist, bedarf es weiterer Bedingungen, z. B. narrative Anschluss, Reflexion etc., damit Wirkung jenseits des Unterhaltungsmoments eintritt.

Die Wirkung von One-Shot-Filmen

Die Wirkung von One-Shot-Filmen auf das Publikum lässt sich daher vielseitig beschreiben: Einerseits besteht ein klares Potential zur verstärkten Immersion, zur emotionalen Nähe und zur intensiven Wahrnehmung von Zeit und Raum. Andererseits zeigen die Ergebnisse, dass nicht automatisch Wirkung erzeugt wird – narrative Struktur, Zuschauer­voraussetzungen und Kontext bleiben entscheidend.

Ein weiterer wichtiger Punkt ist die Haltung des Publikums: Wenn Zuschauer:innen die Technik negativ wahrnehmen oder Distanz behalten, wirkt der Effekt möglicherweise nicht wie erwünscht. Bei unreflektierter Anwendung erinnert die Kamera das Publikum eher daran,  „wie der Film gemacht wird“ statt die Illusion aufrechtzuerhalten. 

Zusammenfassend lässt sich feststellen: One-Shot-Filme besitzen ein großes Potenzial, Zuschauer:innen stärker in die Narration eines Filmes hineinzuziehen, Aufmerksamkeit und Emotionen intensiver wirken zu lassen sowie Wahrnehmung von Zeit und Raum zu transformieren. 

Quellen: 

Ghosh, A. (2022). Analysis of Single-Shot and Long-Take Filmmaking: Its Evolution, Technique, Mise-en-scène, and Impact on the Viewer. Indian Journal of Mass Communication and Journalism. https://www.ijmcj.latticescipub.com/wp-content/uploads/papers/v2i2/B1023122222.pdf

Kubrak, T. (2020). Impact of Films: Changes in Young People’s Attitudes after Watching a Movie. Behavioural Sciences (Basel), 10(5). https://pmc.ncbi.nlm.nih.gov/articles/PMC7288198/

Nightscapestories. Long Take: Impact of Single-Shot Scenes in Cinema. https://nightscapestories.com/long-take-impact-single-shot-scenes-cinema/

Dieser Text basiert auf Literaturvorschlägen von ChatGPT. Alle Inhalte wurden von mir selbst auf Richtigkeit und Relevanz überprüft und der Text selbst wurde von mir erstellt.

Die Netflix-Serie „Adolescence“, die 2025 erschienen ist,  war nicht nur wegen ihrer Handlung und deren psychologischen Hintergrunds ein voller Erfolg, sondern auch aufgrund ihres technischen Konzepts: Jede der vier Folgen wurde in nur einem einzigen, ungeschnittenen Take gedreht. Dahinter steckt nicht nur viel Planung, sondern noch viel mehr.

Die Idee hinter Adolescence 

Adolescence verfolgt die Geschichte eines 13-jährigen Jungens namens Jamie Miller, gespielt von Owen Cooper, der wegen Verdacht auf Mordes verhaftet wird. Im Laufe der vier Folgen versucht die Polizei herauszufinden, ob und warum Jamie die Tat begangen hat. Gleichzeitig wird die emotionale Achterbahnfahrt von Jamies Familie begleitet, auf der sich Vater Eddie Miller, gespielt von Stephen Graham (Produzent und Co-Autor von Adolescence), immer öfters die Frage stellt, wie gut er seinen Sohn wirklich kennt. Regisseur der sechsfachen Emmy-ausgezeichneten Serie ist Philip Barantini, der die Technik des One-Shot-Films bereits zuvor in „Boiling Point“ angewendet hatte. Auch bei Adolescence wendete der Brite dies wieder an, um Unmittelbarkeit, Nähe und Intensität zu schaffen. Allein in der ersten Woche erreichte die Serie nur in Großbritannien über 24 Millionen Streams. Drehbuchautor Jack Thorne wurde dabei von realen Fällen inspiriert, der Fall ist aber fiktiv. Die Idee von Adolescence entstand aus der Vision von Barantini und Thorne, das Innenleben Jugendlicher unter gesellschaftlichem Druck so unmittelbar wie möglich erfahrbar zu machen. Außerdem wird die große Auswirkung der sozialen Medien durch die Incel-Bewegung und toxische Männlichkeit behandelt. Es gibt allerdings auch kritische Stimmen dazu: Vor allem Feminist:innen sind der Meinung, dass Adolescence die weibliche Perspektive vernachlässigt und den sozialen Medien zu viel Schuld bemessen wird, während das Problem ebenfalls an den patriarchalen Strukturen liegt. 

Behind the Scenes: die Produktion 

Adolescene besteht aus vier Folgen, die an fünf Drehtagen gefilmt wurden. Jede Folge wurde mehr als zehn Mal abgefilmt; es gibt keinen einzigen Schnitt. Für die Filmcrew bedeutete das, die Kameraarbeit wie eine Choreografie zu lernen, um Fehler zu vermeiden. Zentral für die Umsetzung war das Ronin 4D-Kamerasystem von DJI. Es zeichnete sich durch seine Stabilität, Beweglichkeit und Präzision aus und vereinfachte damit die Dreharbeiten der Crew. Allein kleinste Unregelmäßigkeiten können einen gesamten Take ruinieren, doch durch die Verwendung des System mit seinen vielen Features, wie beispielsweise der eingebauten Stabilisierung, waren schnelle Ortswechsel zwischen Innenräumen, Polizeiwagen und Straßenaufnahmen möglich.​  

Der Drehprozess von Adolescence bedeutete wochenlange Proben. Auch die Schauspieler: berichteten von der benötigten Präzision und Anstrengung am Set: Es gab keine Möglichkeit, Fehler durch Schnitte zu verstecken, wodurch jeder Take auch eine schauspielerische Hochleistung wurde. Das gesamte Team wiederholte die Szenen dutzendfach, bis jede Bewegung perfekt saß – ähnlich wie bei einer Theaterinszenierung, bei der das Stück in einem Rutsch vor Publikum gespielt wird.​ 

Auch Kameramann Matthew Lewis sprach von der kollektiven Zusammenarbeit und Präzision der gesamten Filmcrew. Während der Proben änderte Thorne Szenen im Drehbuch, um die Kameraarbeit zu erleichtern oder die Geschichte realistischer zu inszenieren. Lewis erzählte von den Herausforderungen der ersten Episode: „Phil (Barantini) und ich haben nach den passenden Locations gesucht, und sobald wir diese hatten, eine Route geplant und alles wie Puzzle-Teile zusammengesteckt, sodass es für das Publikum Sinn ergibt. Die größte Herausforderung war, wie wir von einem echten Haus zu einer gefakten Polizeistation kommen“. Auch Lewis sprach von den Vorteilen des Ronin 4D-Kamerasystems: „Es hatte seine Einschränkungen, aber war genauso, wie wir es gebraucht haben: Es war ein kleiner Gimbal, den man einfach hin und herreichen konnte, den man vor sich halten konnte, ohne ihn an einer Person festzumachen, und man konnte mit einem Knopfdruck zu einer Drohne wechseln“. 

Fazit

Die Dreharbeiten ähnelten einem Ballett aus Technik, Schauspiel und Zufall. Jede Episode wurde mehrmals komplett gedreht, weil kleine Fehler – ein Geräusch, ein Blick, eine falsche Bewegung – den Fluss störten. Manche „falsche“ Momente, wie beispielswiese Coopers echtes Gähnen in Episode drei, blieben jedoch im finalen Schnitt und verstärkten die Authentizität.​ Dadurch entstand eine eigene Dynamik, da Kameraleute, Tonassistent:innen, Lichttechniker:innen und Schauspieler:innen eng zusammenarbeiten mussten. 

Insgesamt zeigt Adolescence eindrucksvoll, wie technische Innovation und erzählerische Tiefe ineinandergreifen können. Das One-Shot-Konzept verwandelt die Serie in ein intensives Erlebnis für das Publikum, das Nähe und Authentizität erzeugt. Hinter der den Dreharbeiten steckt eine minutiös geplante Produktion, in der jedes Detail zählt – von der Kameraführung über das Schauspiel bis zur Lichtsetzung. Die Kombination aus technischer Präzision und emotionalem Realismus macht die Serie zu etwas ganz Besonderem. Trotz kontroverser Diskussionen über Perspektiven und Themen ist Adolescence ein außergewöhnliches Beispiel dafür, wie filmische Form und Inhalt sich gegenseitig verstärken und verändern können.

Quellen: 

Harper’s Bazaar. (2025, 3. Oktober). Adolescence: Hinter den Kulissen der neuen Netflix-One-Take-Serie. Abgerufen von https://www.harpersbazaar.com/uk/culture/a64275636/adolescence-netflix-behind-the-scenes/

Variety. (2025, 15. Oktober). Wie Netflix’ „Adolescence“ die One-Take-Episoden realisierte. Abgerufen von https://variety.com/2025/artisans/news/adolescence-one-take-episodes-netflix-1236339292/

Netflix Tudum. (2025). Casting von „Adolescence“: Owen Cooper und Shaheen Baig über die richtige Besetzung. Abgerufen von https://www.netflix.com/tudum/features/owen-cooper-shaheen-baig-adolescence

NDR Kultur. (2025). „Adolescence“: Vierteilige Serie räumt Emmys ab. Abgerufen von https://www.ndr.de/kultur/film/adolescence-vierteilige-serie-raeumt-emmys-ab,adolescence100.html

Bilder:

Cooke Optics. (2025). Kameramann Matthew Lewis über die Entscheidung für Cooke SP3-Objektive bei „Adolescence“.Abgerufen von https://cookeoptics.com/news-and-events/cinematographer-matthew-lewis-on-choosing-cooke-sp3s-for-adolescence/

Dieser Text basiert auf Literaturvorschlägen von Perplexity pro. Alle Inhalte wurden von mir selbst auf Richtigkeit und Relevanz überprüft und der Text selbst wurde von mir erstellt.

Ein One-Shot-Film ist ein Film, der entweder tatsächlich in einer ununterbrochenen einzigen Einstellung gedreht wurde oder so gestaltet ist, dass er wie ein einziges, durchgehendes Kamerabild erscheint. Er wird auch One-Take- oder Single-Take-Film genannt und charakterisiert sich durch das Fehlen sichtbarer Schnitte, was eine kontinuierliche Erzählung in Echtzeit ermöglicht. Die Handlung wird dabei ohne Zeitsprünge oder Unterbrechungen dargestellt, wodurch das Publikum intensiver in die Geschichte eintauchen kann. Tatsächlich entstehen nicht alle One-Shot-Filme aus einer einzigen Aufnahme. Oft werden versteckte Schnitte verwendet, um den Eindruck einer einzigen Einstellung zu erzeugen. 

Historische Entwicklung

Der jüngste One-Shot-Film bzw. -Serie und Gewinner von sechs Emmy Awards wurde erst 2025 auf Netflix veröffentlicht: Adolescence. Doch die Idee, einen Film oder Teile davon in nur einer Einstellung zu drehen, reicht bis in die Anfangszeiten des Kinos zurück. Alfred Hitchcock gilt  1948 mit seinem Film „Rope“ als einer der Pioniere der One-Shot-Technik. Dabei wurden mehrere etwa 10-minütige Takes so aneinandergeschnitten, dass der Eindruck eines einzigen, langen Takes entstand. Hitchcock wollte mit dieser Technik eine realistische Zeitwahrnehmung für das Publikum schaffen, zum Beispiel um die Spannung zu erhalten oder zu steigern. Zu dieser Zeit wurde noch mit analogen Kameras gefilmt, was das Filmen in einer Einstellung zusätzlich erschwerte, da die Lauflänge einer Rolle Film auf maximal 20 Minuten begrenzt war. 
„Russian Ark“, der 2002 veröffentlicht wurde, gilt als ein weiterer Meilenstein in der Historie der One-Shot-Filme. Er war der erste „echte“ One-Shot-Film, da alle 96 Minuten des Spielfilms in einer einzigen Einstellung gedreht wurden. Neuere Beispiele sind „Birdman“ (2014), der mittels versteckter Schnitte wirkt, als wäre er ein durchgehender Take, „1917“ (2019), der ebenfalls mit dieser Technik arbeitete, um die Spannung und Immersion zu steigern, oder „Adolescence“ (2025). ​

Technische Herausforderungen

Das Drehen eines One-Shot-Films stellt hohe Anforderungen an das gesamte Filmteam. Schauspieler:innen, Kameraleute und Regisseur:innen müssen perfekt aufeinander abgestimmt sein, da ein Fehler oft einen kompletten Neustart der Aufnahme bedeutet. Häufig kommen technische Hilfsmittel wie Steadicams, Gimbals und Drohnen zum Einsatz, um flüssige Bewegungen und dynamische Perspektiven zu realisieren. Ein weiterer wichtiger Faktor ist das Gewicht der Kameras. Für One-Shot-Filme werden möglichst leichte und kompakte Kameras verwendet. Für „1917“ wurde beispielsweise eine ARRI Alexa MINI LF​ verwendet, die nur knappe 3 Kilogramm wiegt. Außerdem sollten sowohl Requisiten als auch die Ausstattung verschiebbar, veränderbar und beweglich sein. Often werden Kameras auch während des Drehs an andere Personen übergeben oder es wird mit Systemen wie Handkameras, Schienen oder Kamerakränen gearbeitet. 

Beispiele berühmter One-Shot-Filme

Mittlerweile gibt es einige One-Shot-Filme, bzw. solche, die so ausschauen, als hätten sie keinen Schnitt und nur eine Einstellung. Einige Beispiele dafür sind: 

• Utøya: 22. Juli: Hierbei geht es um einen Amoklauf auf einer norwegischen Insel. Die Tat dauerte 72 Minuten und genauso lang ist die Dauer des Films. Der Regisseur Erik Poppe nutzte eine One-Shot-Einstellung, um die Ereignisse so realistisch wie möglich darzustellen. 

• Son of Saul ist ein Drama, das von der Geschichte eines ungarischen Juden im Konzent4rationslager Auschwitz erzählt. Der Film dauert 107 Minuten und ist fast vollständig in einer Einstellung gedreht worden. 
  
• 1917: Der Kriegsfilm „1917“ ist einer der am häufigsten genannten Beispiele für One-Shot-Filme. 1917 wurde in etwa zehn langen Takes gedreht und enthält zwischen 25 und 40 versteckten Schnitten, die vom Publikum aber kaum bis gar nicht wahrgenommen werden. 
  
• Rope: Alfred Hitchcock war der Erste, der sich an einen One-Shot-Film heranwagte. Allerdings war er damals noch in der Technik der Kameras eingeschränkt. Hitchcock schrieb das Drehbuch so, dass er alle zehn Minuten einen Schnitt machen konnte, den er dann verstecke, wenn die Kamera beispielsweise gerade hinter einem Stuhl war. So waren die Schnitte praktisch unsichtbar und „Rope“ galt damit als erster One-Shot-Film. 
  
• Russian Ark: Das Historien-Drama „Russian Ark“ ist ein 96-minütiger Film, der tatsächlich ohne einen einzigen Schnitt auskommt. Dafür wurde die Kameraarbeit solange geübt, bis alles perfekt saß, um in der Postproduktion ohne Schnitte auszukommen. 
  
• Adolescence: Die neue und preisgekrönte Netflix-Serie „Adolescence“ besteht aus vier etwa 45-55-minütigen Folgen, die jeweils in einer Einstellung gefilmt wurden. Tatsächlich enthält keine Episode auch nur einen einzigen versteckten Schnitt. 

Fazit

One-Shot-Filme sind eine außergewöhnliche und anspruchsvolle filmische Form, die allerdings schon seit einigen Jahren existiert. Durch nur eine Einstellung oder versteckte Schnitte verleihen sie dem Publikum den Eindruck, in Echtzeit an den Geschehnissen des Films teilzunehmen und vermitteln dadurch eine besondere Intensität und Nähe. Allerdings stellen One-Shot-Filme eine große technische Herausforderung und Präzision dar, sowie eine perfekte Zusammenarbeit der gesamten Filmcrew. 

Quellen: 

Ghosh, A. (2022). “Analysis of Single-Shot and Long-Take Filmmaking: Its Evolution, Technique, Mise-en-scène, and Impact on the Viewer.” Indian Journal of Mass Communication and Journalism, 2022.https://www.ijmcj.latticescipub.com/wp-content/uploads/papers/v2i2/B1023122222.pdf

Alsalem, M. (2025). “The One-Shot illusion: Seamless Transitions in One-Shot Films.” [Masterarbeit/Doktorarbeit, 2025]. https://www.diva-portal.org/smash/get/diva2:1978843/FULLTEXT01.pdf

Dewerne, Y. (2022, 27. September). Diese 7 Filme wurden in nur einem Take aufgenommen – oder sehen zumindest so aus. Esquire. Abgerufen von https://www.esquire.de/entertainment/film/besten-one-shot-filme-single-einstellung  

Dieser Text basiert auf Literaturvorschlägen von Perplexity pro. Alle Inhalte wurden von mir selbst auf Richtigkeit und Relevanz überprüft und der Text selbst wurde von mir erstellt.