by emanuel.krizic -

Paris Excursion: Some Highlights on IRCAM Forum Workshops 2026

This blog is the first of a two-part retrospective on the excursion that we, the first-year sound design students, took to Paris. The trip took place in March and centred around the IRCAM Forum Workshops, a week of presentations, workshops, and demonstrations hosted by IRCAM, a French institute for research in music and sound. The programme ran from Tuesday to Saturday across two venues. In this post, I will highlight two sessions that stood out to me from each location.

GRM Tools Atelier Workshop

Starting off with a workshop which took place at the IRCAM building (located alongside the Centre Pompidou on Place Igor Stravinsky), the presentation introduced GRM Tools Atelier, a modular real-time environment for sound processing and synthesis developed by INA GRM. The developers behind the project demonstrated it as a creative space where sound can be built, transformed, and explored through a network of connected modules. The main focus was on experimentation, encouraging users to discover new sounds by combining simple building blocks in somewhat unconventional ways.

For me, the highlight was seeing their comb filter both on its own and in combination with other modules. I was surprised by the variety of results that could be achieved with a simple sound synthesis concept and by the potential the plugin itself offered through additional controls such as harmonic manipulation, morphing, and interaction with other modules.

That being said, as a student, purchasing software like this is not always realistic, and in this case, I am not convinced owning the plugin itself is necessarily the most important takeaway. The principles demonstrated during the session can be applied using open-source platforms, like SuperCollider. Ultimately, the value I took from this session was less about the software itself and more about the ideas behind it. What initially appeared to be a presentation of a new tool was, from my perspective, a sound design lesson disguised as a software demonstration, and I am grateful for the experience, as it encouraged me to think about familiar processes in a broader creative context.

Demonstration of an Augmented Instrument

Also taking place at the IRCAM building, as part of Remix (an IRCAM showcase presenting the first results of several hybrid artistic research groups), the presentation by Katalin Koltai, a guitarist, researcher, and lecturer at the Royal Academy of Music in London, focused on the progress of her ongoing research into augmenting the classical guitar. In this context, “augmented” refers to a traditional acoustic instrument that has been enhanced with additional mechanical and/or electronic components to expand its sonic capabilities while maintaining the feel and playing techniques of the original instrument.

Their form of augmentation comes in the shape of the Open Frets Guitar, a prototype featuring a reconfigurable magnetic fretboard that allows the layout of the frets to be altered. This opens up possibilities for alternative tunings and microtonal performance, which stood out to me as I usually use non-standard tunings in my own guitar practice. Alongside this, the prototype featured the use of exciters, a type of electroacoustic transducer, used to make the strings and body of the guitar resonate.

The use of exciters also reminded me of a piece I made, 3.2.2024., for which I placed an exciter beneath the soundboard of a concert piano. The sound coming from the exciter was used to vibrate the body and strings of the piano, creating a natural filter whose strength depended on the amount of sustain pedal used. This practice is not new, but I personally enjoy seeing what others come up with and the different ways in which they enrich the sound. That was the general highlight of the presentation for me.

An Audiovisual Performance using Setar

Moving to the second location of the excursion, the transdisciplinary venue Centre des Arts in Enghien-les-Bains, a performance rather than a talk that stood out to me was Moving With Time by Seyed Ali Hosseini, a composer and researcher in electronic music; and Giuseppe Messineo, a composer and coder working with interactive audiovisual systems. The piece was an audiovisual real-time interaction performance exploring the evolving relationship between sound, image, and culture.

My highlight was definitely the beginning of the performance, which involved the use of the setar, a traditional Iranian lute, alongside vocal chops and visuals generated through TouchDesigner. Combined with the spatial audio setup, in which speakers were arranged in a circular formation, the performance created an atmosphere that was easy to become immersed in. As the piece progressed, so did the sound material and its context. As the name of the composition implies, it evolved over time, doing so by blending elements of electroacoustic music with a more dance-oriented approach.

Something I learned after reading more about the project was the use of concatenative synthesis, a type of synthesis that builds sounds by stitching together short samples from a larger sound database. Unlike granular synthesis, another sample-based technique that they used, concatenative synthesis allows recorded material to be analysed and reorganised based on specific characteristics rather than by manipulating small sound grains directly. The combination of these techniques allowed the original acoustic material to gradually transform into something much further removed from its source.

EEG Audio-Visual Performance on Pleasure

Lastly, I’d like to mention one more performance, which also took place at CDA, Liberated Frequencies by Keigo Yoshida, a Japanese artist and doctoral researcher whom I met during the forum week.

The performance was an audiovisual exploration of the relationship between artificial intelligence and human perception of sound. Alongside his assistant and narrator, Rinko Oka, they monitored brain activity using EEG sensors, a type of sensor used to record the electrical activity of the brain, and isolate brain waves related to pleasure. During the development process, Yoshida had previously tested his collaborator’s perception of different sounds, collecting responses to various sonic materials. These responses were then used alongside EEG during the performance, allowing the system to react to the collaborator’s auditory perception. The visuals were done in TouchDesigner.

I found the dialogue between the listener’s preferences and the system particularly interesting. Rather than moving towards comfort and familiarity, it deliberately generated a harsher soundscape, leaning on post-human-centred aesthetics in which human preference is no longer the only measure of value.

Sources:

https://forum.ircam.fr/article/detail/grm-tools-atelier-workshop

https://grm.tools/en/atelier.html

https://www.cda95.fr/en/presentation

https://katalinkoltai.com/openfrets/

https://forum.ircam.fr/article/detail/moving-with-time

https://en.wikipedia.org/wiki/Concatenative_synthesis

https://forum.ircam.fr/article/detail/liberated-frequencies-by-keigo-yoshida

by emanuel.krizic -

NIME Article Review: Ultrasound Probe as Tool for Tangible Sound Performance Using Physically Sculpted Phantoms

This blog is a summary and review of Kevin Blackistone’s NIME paper, “Ultrasound Probe as Tool for Tangible Sound Performance Using Physically Sculpted Phantoms”. I wasn’t entirely sure what to expect, as my first association with the word “phantom” was more in line with some type of ghosting effect (a visual trailing artifact behind moving objects). What I was met with instead was a deep dive into medical imaging techniques, material exploration, and its sonification.

Core Concept: Medical Imaging Techniques

This paper documents a project centered around a standard handheld medical ultrasound probe. While I did get an ultrasound in the past myself, I didn’t know the technology behind it. After some research on the side, I have learned that this device is a type of transducer, transducers being devices that convert energy from one form to another (a category in which microphones and speakers also reside). It relies on the piezoelectric effect, which allows the probe’s crystals to vibrate and emit high-frequency sound waves, also known as ultrasound. As these sound waves travel or vibrate into the body, they reflect back to the device as echoes, which are then used to create a real-time visual interface. The NIME paper documents various movements when operating the probe and how they affect the resulting image.

While these devices are typically used on human tissue, medical training often relies on “phantoms,” which are opaque, dyed gelatin molds designed to mimic organic tissue, with the aim of helping students practice handling the probe and other sub-dermal (just beneath the skin) tools. Blackistone uses the ultrasonic medical probe in combination with DIY phantoms to create a physically expressive and sonic performance.

On DIY Phantom Design

The DIY phantoms used were composed of everyday food items such as tofu, grapes, orange peels, mushrooms, and even coffee grounds, with the aim of creating different membranes, materials, and surfaces, each of which reflects ultrasound differently, producing unique spectral characteristics once converted into sound via an additive synthesis approach. It is also a positive ethical choice to use organic matter, as it minimizes waste.

In my opinion, this approach of using DIY phantoms instead of human tissue is a clever choice, as it creates this playful and intuitive way of sculpting a soundscape, shaping the end results before they even hit an electronic translation process. It also shifts the focus to a more post-human-centered approach, in which the story isn’t as much on an individual as it is on Frankenstein-like phantoms.

If we were thinking in terms of musical instruments, the phantom in this case acts as the body of the instrument, and the probe as a tool for playing it.

On the Synthesis Approach

The paper outlines a sound synthesis framework that translates real-time ultrasound imagery into multi-spectral audio by mapping object depth (the distance from the probe’s surface) to frequency and pixel brightness (corresponding to material density) to amplitude. From my understanding, this is done via Inverse Fast Fourier Transform (IFFT) by sampling single or multiple vertical lines across the video stream. Each line is then mapped to a bank of individual frequency bins, without phase reconstruction or more advanced spectral processing. The result is a frame-by-frame additive synthesis. This approach is somewhat limiting, something the author openly acknowledges, as some of the phantom designs end up producing relatively similar soundscapes.

My first thought after reading up on ultrasound probes was to make a more straightforward synthesis approach of taking the ultrasound echo, shifting it to the audible range, applying an amplitude curve accounting for human hearing, and listening to the results. Then, I would probably build some type of detection tool for different shapes to trigger different types of sound events. From there, it could be combined with the already established idea of taking the depth and density values for some other sound parameters.

This focus on mapping dynamic frequency curves brought me back to the author’s brief, separate quick mention of the app SPEAR (an application for audio analysis, editing, and synthesis), which I would like to quickly mention as I tried using it in the past. My idea was to analyze audio samples via the software and reconstruct them via additive synthesis in SuperCollider (a platform and programming language for audio synthesis). Such an approach, however, proved more finicky than I initially expected, with the number of various sinusoidal frequencies needed to get a hint of the original sample being larger than anticipated. If I were to try again, I would also take into consideration the varying amplitude of the frequencies over time, which would be achieved by putting the needed values in arrays read as values for ADSR (attack, delay, sustain, release) envelopes.

Final thoughts

I enjoyed reading about this project. I was particularly drawn to the sculptural aspect and design choices which were taken when tackling the DIY phantoms. The project works well for a performance, as it has an anchoring point most of us would be able to understand, that being the live visual representation of the scan in combination with the exploration and manipulation of the chosen phantoms. If this were developed further, I would be interested in what other synthesis methods they would come up with, or in what way they could enrich the possibilities of the current setup.

Sources:

https://nime.org/proceedings/2026/nime2026_109.pdf.

https://www.klingbeil.com/spear/.

https://www.youtube.com/watch?v=GhkNXh0m5Nk.

https://sonosim.com/blog/types-of-ultrasound-probes.

by elena.piber -

Final Recap

Topic: Production Design

Diesen letzten Blogbeitrag möchte ich dazu nutzen, um die Posts dieses Semesters noch einmal zusammenzufassen und die wichtigsten Aspekte zu sammeln. Es wurde viel analysiert, recherchiert und skizziert, um schlussendlich einen Gestaltungsvorschlag für eine Szene aus dem Buch The ABC Murders von Agatha Christie präsentieren zu können. 

In meinem anfänglichen Konzept habe ich meine Pläne für die Herangehensweise geschildert und meine Ziele für dieses Semester offengelegt. Ein Großteil davon konnte wie geplant umgesetzt werden. Ein paar der Vorhaben wurden jedoch etwas umgestaltet beziehungsweise gänzlich fallen gelassen. Dazu gehört unter anderem der Vergleich meines Set Designs mit dem einer bereits produzierten Filmfassung der Geschichte. Hierzu möchte ich jedoch kurz anmerken, dass in der neuesten Adaption aus dem Jahr 2023 gewisse Aspekte des Mordes teilweise anders dargestellt werden als im Buch, weshalb der Vergleich wahrscheinlich einige Unterschiede gezeigt hätte.

Abgesehen davon habe ich mein Konzept relativ gut eingehalten und bin unter anderem genauer auf die Geschichte eingegangen, habe die wichtigsten Aspekte analysiert und in meine Skizzen einfließen lassen. Außerdem wurde viel recherchiert und Referenzen zur visuellen Gestaltung der 1930er Jahren gesucht, welche einen großen Einfluss auf die Gestaltung des Set Designs hatten. Hierbei wurde mehrfach erwähnt, dass jedes Detail zählt und zur Authentizität der Filmwelt beiträgt. Dies ist besonders wichtig im Genre des Kriminalfilms, da hier ohnehin ständig nach Hinweisen gesucht wird und somit jedes unpassende Element hervorsticht. 

Nachdem die finale Skizze angefertigt wurde, ging es dann daran, die Umsetzbarkeit und Nachhaltigkeit zu hinterfragen. Ideen zur nachhaltigeren Produktion wurden aufgelistet, wie etwa die Entlehnung gewisser Objekte aus Filmfundi oder die Beschaffung durch Secondhandkäufe. Allgemein zeigte sich, dass dieses Set im Großen und Ganzen relativ gut nachhaltig umgesetzt werden kann.

Zur Visualisierung wurde außerdem mit KI experimentiert, welche auf den ersten Blick einigermaßen gute Ergebnisse lieferte, bei genauerer Betrachtung jedoch einige Fehler enthielt. Im Allgemeinen konnte sie meine Vision oberflächlich, jedoch nicht genau treffen. Und wie vorhin bereits erwähnt wurde, sind es gerade die Details, die ein gutes Set Design ausmachen. Aus diesem Grund sollte die KI nur unterstützend und nicht als primäres Tool für die Gestaltung eingesetzt werden. 

Mein eigenes Fazit

Ich persönlich muss sagen, dass ich mit der Gestaltung im Großen und Ganzen zufrieden bin und beinahe ein bisschen enttäuscht bin, dass dieser Plan nun nicht umgesetzt wird. Schließlich steckt der halbe Spaß in der tatsächlichen Umsetzung, wo gebaut, gebastelt und dekoriert wird. Trotzdem fand ich das Projekt sehr spannend und konnte einiges dazulernen. 

by elena.piber -

Umsetzbarkeit und Nachhaltigkeit

Topic: Production Design

In den bisherigen Blogbeiträgen ging es vorwiegend um die Gestaltung des Sets. Nun stellt sich jedoch die Frage: „Wie kann das geplante Set umgesetzt werden?“ und „Kann es exakt so umgesetzt werden, wie es geplant wurde?“

Was die zweite Frage betrifft, kann diese sofort beantwortet werden: Es kommt auf das Budget und auf das gewünschte Pensum an Nachhaltigkeit an. Ist sowohl der finanzielle Aspekt als auch der Nachhaltigkeitsaspekt kein Problem, so kann fast alles gebaut und erzeugt werden. Handelt es sich jedoch um eine Green Production, oder wird generell Wert auf eine nachhaltigere Produktion gelegt, so wird man wohl oder übel Kompromisse eingehen müssen. Bei einer guten Planung sollte dies jedoch keinen großen Einfluss auf die Qualität des finalen Sets haben. Am einfachsten ist es in diesem Fall, bereits von Anfang an den Nachhaltigkeitsgedanken im Kopf zu behalten und das Set dementsprechend zu planen, um am Ende unerwartete Probleme zu vermeiden. 

Die Umsetzung des Sets

Für die Beantwortung der zweiten Frage muss etwas recherchiert werden. Ganz im Sinne der Green Production sollten für diese Produktion so viele Elemente wie möglich geliehen, oder secondhand beschafft werden. Da es vor allem in Wien Filmverleihe gibt, die einige der gewünschten Elemente lagernd haben, würde es Sinn machen, das Set in einem Studio in Wien aufzubauen. Auf diese Weise können etwa die Transportwege minimiert werden. Natürlich wäre die nachhaltigste Variante, einen bestehenden Tobacco Shop zu verwenden, doch da dieser sowohl einen englischen Stil als auch das Jahr 1935 darstellen soll, ist es in Wien vermutlich eher schwierig, eine passende Location zu finden.

Für die Ladeneinrichtung bestehen zwei Möglichkeiten, wie man mehr oder weniger nachhaltig an die Gestaltung herangehen kann. Die umweltbewusstere Variante umfasst die Entlehnung der benötigten Möbel aus einem Fundus. Beispielsweise gibt es in Wien den props.co Film- und Theaterfundus, der passende Ladeneinrichtungen anbietet (siehe Bilder).

Sowohl Tresen als auch Regale stehen zur Verfügung. (Ladeneinrichtung 1)
Auch Tabakwaren sind hier zu finden. (Tabakwaren 1)

Bei der zweiten Variante werden die benötigten Elemente eigenhändig gebaut und dem Set entsprechend angepasst. Dabei wird darauf geachtet, so umweltbewusste Materialien wie möglich zu verwenden. Beispielsweise könnten die Einbauregale aus Holz gebaut und mit einem umweltfreundlicheren Lack (im Vergleich zu anderen Lacken) eingestrichen werden. Da die Schubladen nicht funktionsfähig sein müssen, würde es auch reichen, nur die Schubladenfront zu erstellen und diese fest an dem Regal zu fixieren. Auf diese Weise muss kein weiteres Material für Elemente aufgewendet werden, die gar nicht verwendet werden. Das Motto „Fake it till you make it“ würde diese Situation gut beschreiben. Die zweite Variante ermöglicht eine größere kreative Freiheit, ist jedoch weniger umweltbewusst als die erste Variante und bringt auch ein höheres Arbeitspensum mit sich. 

Das Set Dressing

Auch bei den Set-Dressing-Elementen, wie etwa den Tabakwaren, gibt es mehrere Möglichkeiten. Diese können entweder (1) selbst hergestellt werden, (2) ebenso aus einem Fundus entlehnt werden, oder (3) secondhand beschafft werden. Sowohl bei der Entlehnung aus einem Fundus als auch bei der Secondhand-Beschaffung müssen gewisse Kompromisse bezüglich des Aussehens eingegangen werden. Diese beiden Varianten sind jedoch um einiges nachhaltiger als die Eigenproduktion. Die nachfolgenden Bilder zeigen einige Objekte, die für das geplante Set verwendet werden könnten und aus einem Fundus stammen, oder secondhand beschafft werden können. 

(Registrierkassen Verleih 1)
(Registrierkassen Verleih 2)
(Registrierkasse 3)
(Rauchutensilien 1)
(Rauchutensilien 2)
(Hängelampen 1)
(Hängelampen 2)
(ABC Railway Guide 1)
(ABC Railway Guide 2)

Auf Onlinemarktplätzen gibt es einige ABC Railway Guides zu kaufen, jedoch sind diese meist nicht aus der passenden Zeit, oder bereits sehr abgegriffen. Hier macht es vermutlich am meisten Sinn, den Railway Guide selbst zu gestalten und zu produzieren. 

Fazit

Das im Zuge dieser Blogbeiträge erstellte Set Design kann relativ gut nachhaltig umgesetzt werden, da ein Großteil der benötigten Elemente aus hiesigen Film- und Theaterfundi entlehnt oder secondhand beschafft werden kann. Dennoch werden auch manche Objekte in Eigenproduktion erstellt, oder neu angeschafft werden müssen. Abschließend kann gesagt werden, dass die Umsetzung eines Set Designs viele Hürden bietet, diese jedoch mit guter Planung gut gemeistert werden können.

Quellen:

Ladeneinrichtung 1: props.co: Ladeneinrichtung. In: props.co, https://www.props.co.at/portfolio/moebel/ladeneinrichtung/ (zuletzt aufgerufen am 16.07.2026)

Tabakwaren 1: props.co: Handrequisiten, Kleinrequisiten. In: props.co,  https://www.props.co.at/portfolio/requisiten/handrequisiten-kleinrequisiten/ (zuletzt aufgerufen am 16.07.2026)

Registrierkassen Verleih 1: props.co: Computer, Schreibmaschinen, Kassen. In: props.co, https://www.props.co.at/portfolio/requisiten/computer-schreibmaschinen-kassen/ (zuletzt aufgerufen am 15.07.2026)

Registrierkassen Verleih 2: Schmiedl: Requisiten/Café, Konditorei, Greissler/ Kassa Holz Metall. In: Schmiedl, https://www.schmiedl.tv/Product/ProductDetails.aspx?i=9&sid=25129&lang=de (zuletzt aufgerufen am 15.07.2026)

Registrierkasse 3: willhaben: Antike Registrierkasse. In: willhaben.at,  https://www.willhaben.at/iad/kaufen-und-verkaufen/d/antike-registrierkasse-948635207 (zuletzt aufgerufen am 15.07.2026)

Rauchutensilien 1: props.co: Rauchutensilien. In: props.co, https://www.props.co.at/portfolio/requisiten/rauchutensilien/ (zuletzt aufgerufen am 15.07.2026)

Rauchutensilien 2: willhaben: Pfeifensammlung Pfeifen Rosenholz. In: willhaben.at, https://www.willhaben.at/iad/kaufen-und-verkaufen/d/pfeifensammlung-pfeifen-rosenholz-1445537202 (zuletzt aufgerufen am 15.07.2026)

Hängelampen 1: props.co: Hängelampen. In: props.co, https://www.props.co.at/portfolio/lampen/haengelampen-2/ (zuletzt aufgerufen am 15.07.2026)

Hängelampen 2: props.co: Hängelampen. In: props.co, https://www.props.co.at/portfolio/lampen/haengelampen-2/ (zuletzt aufgerufen am 15.07.2026)

ABC Railway Guide 1: ebay: The ABC or Alphabetical Railway Guide April 1939 P/B edition. In: ebay, https://www.ebay.ie/itm/366308544506?_skw=abc+railway+guide+1934&itmmeta=01KXEK0SFFMSM32SNE0CH4EBSR&hash=item5549b0cffa:g:WK4AAeSwgetpxpa6&itmprp=enc%3AAQALAAAA0GfYFPkwiKCW4ZNSs2u11xAnh%2BbaIo9SUNoohhiYclnybaxmLPEwZ6yyPTZ2Yv%2BVb%2BatvkPrm7DmzLgD4vZZWYJewGdVSCE6VT%2BYrtECIKn9e8Ge%2BYQZGEXSfszqJa6YGfBmnDLWv88R5cWaQhzJPQvlu7C0My9shvx1hxzBif9YMM5KXJu3lHRHd7DVCFH0E%2FaAG14N%2F4RyxckKNs3JiPko9cIvG9scmhjfJiIvEiDD%2FX1NIY6%2FDqf%2BFeoeVyNklcdAPW6inOckiaSkUu%2F7Q6c%3D%7Ctkp%3ABk9SR4KYg9PrZw (zuletzt aufgerufen am 15.07.2026)

ABC Railway Guide 2: ebay: 1938 Hamptons ABC Railway Guide & Timetable (Shop Ref B1). In: ebay, https://www.ebay.ie/itm/298437968474?_skw=abc+railway+guide+1934&itmmeta=01KXEK0SFF2GZHKWZAEF8961CD&hash=item457c4a025a:g:VzsAAeSwKkRqHZ6E&itmprp=enc%3AAQALAAAA8GfYFPkwiKCW4ZNSs2u11xDjFkhfGQY6SOsgpX5qmJLw48gfxDKnDvSxoWhcIbZ5HkFpnpSrQxmHi9DaDKbb8hmDdy8BPiTgTmb%2BxXREKwsY2Mpwilan8UvyzaHu9k2ZG93xlYVupB91mfTGPxKbSfRpuyc2bMT7CxgXegIVBnCaQX3Lp3LINf65rmOgtgIQu2dvJ%2BO4peU08ynWleiCGj%2FbQHaWk0kaU%2F8Os4nxRwjzSXA7A8pWaTQ7MbePb9kApkOhRhVwOAlgXhzNozOKh8JeebEUHQAYD1itr5csgTSds0%2FuRciv1wSaPaIwJpgeWQ%3D%3D%7Ctkp%3ABk9SR4KYg9PrZw (zuletzt aufgerufen am 15.07.2026)

by elena.piber -

Das finale Set Design

Topic: Production Design

Nachdem der Plan für das Set Design einigermaßen erstellt und durchdacht wurde, ist es nun an der Zeit, die groben Skizzen in klarere und genauere Skizzen umzuwandeln. 

Die Skizziereigenheit

Lustigerweise habe ich in meinen bisherigen Projekten eine eigene Art entwickelt, wie ich an diese finale Skizze herangehe. Aus irgendeinem Grund hat es sich bei mir eingebürgert, dass ich Einrichtungsgegenstände und teils auch unwichtige Dekoelemente in Blau darstelle und die Requisiten und die für die Szene wichtigeren Set-Dressing-Elemente in Rot hinzufüge. Das gibt mir selbst während der Gestaltungsphase einen besseren Überblick, was bereits vorhanden ist und wie wichtig es für die Szene ist.  

Im zweiten Schritt wird dies dann für gewöhnlich in Schwarz umgewandelt, damit die Gesamtheit der Szene und der von Farben unbeeinflusste Eindruck erkennbar wird. 

Neue Elemente

Wie auf den fertigen Skizzen zu sehen ist, sind im Vergleich zu den ersten Zeichnungen noch einige weitere Elemente dazugekommen. An der linken Wand wurden noch Bilder hinzugefügt, um das Gleichgewicht der Szene ein bisschen auszupendeln. Davor war die Gestaltung sehr rechtslastig. Durch diese beiden kleinen Bilderrahmen wird die Balance wieder etwas hergestellt. 

Auf der gegenüberliegenden Wand wurde außerdem eine Uhr angebracht und an der Vorderseite des Tresens finden sich zwei Plakate wieder. An und für sich hätten noch einige weitere Dekorationselemente hinzugefügt werden können, doch ich habe mich dazu entschieden, den Raum so zu belassen, da ich nicht denke, dass Mrs. Ascher das Geld und die Muße für eine weitere Gestaltung ihres Shops gehabt hätte. 

Die Visualisierung

Nachdem die finale Skizze fertiggestellt wurde, stellt sich die Frage, wie dieser Raum nun in Echt aussehen könnte. Da etwa der Bau eines 3D-Modells den Rahmen dieses Projektes sprengen würde, habe ich mich dazu entschieden, die Möglichkeiten des 21. Jahrhunderts zu testen. Mithilfe des AI Tooklits von Artlist.io wurde somit meine Skizze zum Leben erweckt (der Prompt ist am Ende angefügt). 

Ich muss ehrlich sagen, dass ich mir nicht besonders viel erwartet habe, doch ich muss zugeben, dass das Ergebnis einigermaßen gut an meine Vorstellung herankommt. Die gewählten Materialien weichen etwas von meiner Vision ab (bei der Farbe des Holzes beispielsweise). Auf den ersten Blick scheint auch die Gestaltung des Set Dressings passabel ausgeführt, doch auch hier schießt die KI an einer guten Umsetzung vorbei. Sowohl die Zeitungen als auch die Plakate weisen teilweise wilde Wortkombinationen auf. Außerdem wurden die Schubladen im Regal nicht erkannt, weitere Waren hinzugefügt und die Gläser mit den Süßigkeiten wurden mit in Plastik vorverpackten Bonbons gefüllt, was in den 1930er Jahren noch nicht so üblich war. Dennoch entsteht ein erster Eindruck, wie der Raum im Film wirken könnte. 

Conclusio

Es zeigt sich, dass auch im Bereich des Set Designs KI hilfreich sein kann, um einen ersten Eindruck davon zu vermitteln, wie der Raum im Film wirken wird. Dennoch sollte sie nicht die Planung des Raumes übernehmen (schließlich wäre in diesem Fall ja auch der ganze Spaß für die Set Designer:innen weg 🙂 ) und auch bei der Visualisierung im Zusammenhang mit eigenhändig erstellten Skizzen muss beachtet werden, dass Ungenauigkeiten und Abweichungen immer wieder vorkommen. 

KI-Prompt:

Das ist die Skizze eines englischen Tobacco Shops aus dem Jahr 1935. Zu sehen sind Regale mit Zigaretten, Pfeifen sowie sonstigen Tabakwaren. Im linken hinteren Bereich des Bildes ist eine Tür mit einem kleinen Glasfenster im oberen Drittel zu sehen. Auf dem Tresen befinden sich eine alte Registrierkasse, ein aufgeschlagener ABC Railway Guide, Gläser mit Süßwaren sowie ein Zeitungsaufsteller. Die Einrichtung wirkt alt und abgestoßen. Das Licht ist schwach. Erstelle ein realistisches Bild und halte dich dabei vollständig an die dargestellten Elemente sowie die Aufteilung der Skizze.

by anja.kerschbaummayr -

#10 – Reflexion und Fazit

Insgesamt habe ich meine Ziele weitgehend erreicht: Ich wollte Color Grading nicht nur theoretisch verstehen, sondern praktisch an einem eigenen Video lernen, und genau das ist mir gelungen. Besonders wichtig war für mich dabei, dass ich am Ende nicht nur ein fertiges Video habe, sondern auch deutlich besser nachvollziehen kann, was die einzelnen Einstellungen im Bild bewirken.

Was ich gelernt habe

Am meisten gelernt habe ich darüber, wie stark einzelne Einstellungen die Wirkung einer Videodatei verändern können. Vor allem Helligkeit, Kontrast, Sättigung und Farbstimmung sind für mich jetzt viel greifbarer als vorher. Ich verstehe jetzt besser, dass kleine Änderungen große Auswirkungen haben können und dass man beim Grading sehr bewusst arbeiten muss.

Ein besonders wichtiger Lernschritt war für mich auch die Waveform. Am Anfang war sie für mich eher verwirrend, aber inzwischen verstehe ich viel besser, wie ich sie lesen und für meine Korrekturen nutzen kann. Dadurch arbeite ich nicht mehr nur nach Gefühl, sondern kann meine Entscheidungen viel genauer kontrollieren.

Zusätzliche Fähigkeiten

Neben dem eigentlichen Color Grading habe ich auch organisatorisch und technisch dazugelernt. Ich bin sicherer im Umgang mit Schnitt und Vorbereitung geworden und weiß jetzt besser, wie wichtig ein sauberer Workflow ist. Auch das genaue Beobachten von Bildwirkung, Licht und Farbzusammenhang ist für mich viel stärker geworden.

Außerdem habe ich gelernt, geduldiger mit einem Projekt umzugehen. Gerade am Anfang wollte ich zu viel auf einmal ausprobieren, was zwar interessant war, aber auch viel Zeit gekostet hat. Durch diese Erfahrung habe ich verstanden, dass kreative Arbeit nicht nur aus Experimenten besteht, sondern auch aus klaren Entscheidungen.

Was ich heute anders machen würde

Wenn ich das Projekt heute noch einmal beginnen würde, würde ich mir früher einen klaren Plan machen und dann auch konsequent dabei bleiben. Genau dieses viele Hin und Her hat mich am meisten Zeit gekostet. Ich habe zwar dadurch viel ausprobiert, aber ich habe auch gemerkt, dass zu viele Richtungswechsel den Arbeitsprozess unnötig erschweren.

Heute würde ich also früher entscheiden, welche Story ich erzählen will, welchen Look ich anstrebe und wie ich das Projekt technisch umsetzen möchte. Dann würde ich diesen Plan auch durchziehen, statt immer wieder neu anzufangen. Das würde mir wahrscheinlich mehr Ruhe geben und das Ergebnis noch klarer machen.

Nächste Schritte

Als Nächstes möchte ich mich noch tiefer mit Color Grading beschäftigen. Besonders spannend finde ich für mich die Idee, eigene Color Themes oder bewusstere Looks zu entwickeln. Ich möchte lernen, wie man bestimmte Stimmungen gezielter aufbaut und nicht nur technisch korrekt arbeitet, sondern auch stilistisch sicherer wird.

Außerdem möchte ich mich insgesamt mehr trauen. Durch dieses Projekt habe ich gemerkt, dass Color Grading nicht nur aus Regeln besteht, sondern auch viel mit persönlichem Geschmack und kreativen Entscheidungen zu tun hat. Genau da möchte ich weiterkommen: mutiger werden, mehr ausprobieren und gleichzeitig ein besseres Gefühl für Wirkung entwickeln.

Persönliches Fazit

Für mich war dieses Semesterprojekt sehr wertvoll, weil ich nicht nur ein Thema bearbeitet, sondern wirklich etwas gelernt habe, das ich in zukünftigen Projekten weiterverwenden kann. Ich sehe jetzt Farben, Bildwirkung und technische Zusammenhänge viel bewusster. Vor allem habe ich verstanden, dass gutes Color Grading aus Geduld, Beobachtung und klaren Entscheidungen besteht.

Auch wenn am Anfang vieles chaotisch war, war dieser Prozess für mich wichtig. Ich habe Fehler gemacht, Zeit verloren und viel ausprobiert, aber genau daraus habe ich am meisten gelernt. Am Ende nehme ich vor allem mit, dass ich mich im Bereich Color Grading deutlich weiterentwickelt habe und dass ich jetzt eine viel bessere Grundlage habe, um weiterzumachen.

by anja.kerschbaummayr -

#9 – Das fertige Video

Nachdem ich das Video fertiggestellt hatte, war für mich besonders spannend zu sehen, wie sich die gesamte Arbeit vom ersten Konzept bis zum finalen Ergebnis zusammenfügt. Das fertige Video ist ein einfacher Vlog geworden, der meinen Morgen und meinen Weg in die FH zeigt. Genau diese Schlichtheit war für mein Projekt wichtig, weil ich nicht nur ein Video machen wollte, sondern vor allem das Color Grading an einem alltagstauglichen Material lernen und ausprobieren wollte. Der fertige Look unterstützt diese Idee gut, weil das Video ruhig, persönlich und unaufgeregt wirkt.

Vorstellung des fertigen Videos

Mein fertiges Video zeigt keine große Geschichte im klassischen Sinn, sondern begleitet mich durch einen normalen Ausschnitt aus dem Alltag. Es beginnt mit morgendlichen Szenen und führt dann weiter auf den Weg in die FH. Gerade weil das Video nicht überladen ist, wirkt es nahbar und authentisch. Für mich war das ein guter Rahmen, weil ich mich dadurch stärker auf Bildwirkung, Farbgestaltung und Stimmung konzentrieren konnte.

Ich habe mich bewusst für diese einfache Form entschieden, weil ein Vlog Raum für Beobachtung lässt. Die Kamera begleitet den Alltag, statt ihn komplett neu zu erfinden. Dadurch entsteht eine ruhige Atmosphäre, die gut zu meinem Semesterprojekt passt. Das Video soll nicht spektakulär sein, sondern ehrlich und visuell stimmig.

Analyse des Color Gradings

Beim Color Grading habe ich versucht, einen natürlichen und eher zurückhaltenden Look zu entwickeln. Das Bild wirkt nicht extrem bearbeitet, sondern eher sauber, ausgeglichen und leicht filmisch. Genau das war mein Ziel, weil ein zu starker Look bei einem Alltags-Vlog schnell unpassend wirken kann. Stattdessen wollte ich die vorhandene Stimmung leicht betonen, ohne sie künstlich zu verändern.

Besonders wichtig war mir, dass das Bild nicht zu bunt oder zu hart wirkt. Die Farben bleiben insgesamt ruhig und angenehm, während Kontrast und Helligkeit dem Bild mehr Klarheit geben. Dadurch wirkt die Szene nicht flach, aber auch nicht überstilisiert. Ich finde, dass gerade diese Zurückhaltung dem Video gut tut, weil sie den dokumentarischen Charakter des Materials unterstützt.

Auch die Lichtstimmung spielt eine große Rolle. Die Aufnahme wirkt durch das Grading bewusst klar und kontrolliert. Helle Bildbereiche sind sichtbar, aber nicht überstrahlt, und dunklere Bereiche behalten ihre Form. Das sorgt dafür, dass das Bild trotz seiner Einfachheit professioneller wirkt. Für mich war genau das ein wichtiges Ziel: ein Look, der nicht auffällt, weil er extrem ist, sondern weil er gut zum Inhalt passt.

Vorher-Nachher-Vergleich

Der Unterschied zwischen dem Rohmaterial und dem fertigen Bild liegt vor allem in der technischen und visuellen Ordnung. Vor dem Grading wirkt Material oft unruhiger, flacher oder weniger zusammenhängend. Nach der Bearbeitung entsteht ein Bild, das klarer und bewusster gestaltet ist. Besonders bei einer Szene wie dieser sieht man, wie wichtig Helligkeit, Kontrast und Farbabstimmung für die Gesamtwirkung sind.

Der Vorher-Nachher-Vergleich zeigt für mich vor allem, dass Color Grading nicht nur „schöner machen“ bedeutet. Es geht darum, aus vorhandenem Material eine stimmige Bildwelt zu formen. Schon kleine Änderungen können viel ausmachen, wenn sie gezielt eingesetzt werden. In meinem Video sorgt das Grading dafür, dass die Szene ruhiger und kontrollierter wirkt, ohne dabei ihre Alltagstauglichkeit zu verlieren.

Was besonders gut gelungen ist

Besonders gut gelungen ist meiner Meinung nach die Balance zwischen Natürlichkeit und Gestaltung. Das Video sieht immer noch aus wie ein echter Alltag, aber es wirkt trotzdem bewusst bearbeitet. Genau diese Mitte war für mich wichtig, weil ich keinen übertriebenen Filmlook wollte. Das Endergebnis passt dadurch gut zu meinem Konzept eines einfachen Vlogs.

Auch die Bildkomposition trägt viel zur Wirkung bei. Die Person im Vordergrund, das Gebäude im Hintergrund und das klare Stadtbild ergeben eine ruhige, gut lesbare Szene. Dadurch entsteht ein Bild, das visuell ordentlich wirkt und gleichzeitig genug Raum für Stimmung lässt. Das Color Grading unterstützt diese Struktur, statt sie zu überdecken.

Was noch verbessert werden könnte

Trotzdem sehe ich im fertigen Video auch noch Dinge, die ich beim nächsten Mal verbessern würde. Ein Punkt wäre die noch genauere farbliche Angleichung zwischen den einzelnen Szenen. Gerade wenn man an verschiedenen Orten oder zu unterschiedlichen Lichtzeiten dreht, können kleine Unterschiede im Bild stärker auffallen. Mit noch mehr Feinarbeit könnte das Video insgesamt noch homogener wirken.

Außerdem würde ich beim nächsten Projekt vielleicht gezielter mit einzelnen Farbnuancen experimentieren, ohne den natürlichen Stil zu verlieren. Für dieses Video war die einfache Gestaltung richtig, weil sie zum Inhalt passt. Trotzdem habe ich beim Arbeiten gemerkt, dass im Bereich Color Grading immer noch mehr Tiefe möglich wäre, wenn man einzelne Details noch bewusster ausarbeitet. Das ist für mich aber kein Nachteil, sondern eher ein Hinweis darauf, wie viel man in diesem Bereich noch lernen kann.

Was ich aus dem Ergebnis mitnehme

Das fertige Video zeigt für mich sehr gut, wie wichtig es ist, dass Inhalt und Farbe zusammenpassen. Ein Vlog braucht keinen aufwendigen Look, sondern eine klare und stimmige Gestaltung. Genau das habe ich bei diesem Projekt gelernt. Das Grading soll den Inhalt nicht überdecken, sondern ihn unterstützen.

Für mich ist dieses Ergebnis deshalb ein wichtiger Schritt im Lernprozess. Ich habe gesehen, dass selbst ein schlichtes Video durch gezieltes Grading an Wirkung gewinnen kann. Gleichzeitig habe ich verstanden, dass es nicht darum geht, ein Bild maximal zu verändern, sondern es passend zu gestalten. Das fertige Video ist damit für mich nicht nur ein Abschluss eines Arbeitsschritts, sondern auch ein sichtbarer Lernfortschritt.

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#8 – Probleme, Fehler und Lernprozess

Am Anfang meines Color-Grading-Projekts habe ich sehr viel ausprobiert, und genau das hat auch zu vielen Fehlern geführt. Ich habe mir von unterschiedlichen Tutorials ganz verschiedene Techniken abgeschaut, ohne zuerst zu prüfen, ob sie überhaupt zusammenpassen. Dadurch sahen manche Ergebnisse uneinheitlich aus oder ergaben farblich einfach keinen klaren Sinn.

Welche Fehler mir passiert sind

Der größte Fehler war für mich, zu viele unterschiedliche Vorgehensweisen gleichzeitig zu testen. Viele Tutorials arbeiten nämlich mit einer eigenen Logik, einer bestimmten Reihenfolge oder einem ganz eigenen Stil. Wenn man diese Methoden einfach mischt, ohne sie zu verstehen, kann das Bild schnell unruhig oder überladen wirken.

Ich habe dadurch gemerkt, dass Color Grading nicht nur aus einzelnen Effekten besteht. Es braucht ein klares Grundverständnis, damit die Bearbeitung zusammenhängend wirkt. Am Anfang habe ich oft eher nach Gefühl gearbeitet, statt systematisch vorzugehen.

Was nicht funktioniert hat

Nicht alles, was ich ausprobiert habe, hat am Ende gut funktioniert. Manche Looks waren zu stark, andere zu schwach, und manchmal passten die Farben einfach nicht zum Inhalt des Videos. Vor allem bei meinem Vlog war das wichtig, weil ein zu intensives Grading schnell künstlich wirkt.

Auch das ständige Wechseln zwischen verschiedenen Methoden hat nicht geholfen. Ich habe dabei gemerkt, dass man sich leicht verzetteln kann, wenn man zu viele Tutorials gleichzeitig nachmacht. Deshalb musste ich lernen, zuerst eine Richtung festzulegen und dann dabei zu bleiben.

Welche Tutorials mir geholfen haben

Besonders hilfreich waren für mich die Tutorials von Cullen Kelly auf YouTube. Seine Erklärungen haben mir geholfen, Farben und Bildanpassungen besser zu verstehen und nicht nur blind Einstellungen zu verändern. Ich fand gut, dass seine Herangehensweise ruhig, klar und technisch nachvollziehbar ist.

Auch manche Instagram-Beiträge von @marcoherbst.work waren für mich sehr hilfreich. Dort habe ich oft kurze, visuelle Beispiele gesehen, die mir gezeigt haben, wie bestimmte Farbentscheidungen wirken können. Gerade solche kurzen Inspirationen waren nützlich, weil ich dadurch schneller verstanden habe, wie ein Look insgesamt aufgebaut ist.

Wie sich meine Fähigkeiten verbessert haben

Mit der Zeit bin ich sicherer geworden. Am Anfang habe ich noch vieles ausprobiert, ohne wirklich zu wissen, warum ich etwas verändere. Später habe ich besser verstanden, dass jede Farbentscheidung eine bestimmte Wirkung hat. Dadurch bin ich bewusster mit Helligkeit, Kontrast, Sättigung und Farbstimmung umgegangen.

Ich habe auch gelernt, geduldiger zu arbeiten. Statt sofort ein perfektes Ergebnis zu erwarten, habe ich begonnen, Schritt für Schritt vorzugehen. Das hat mir geholfen, meine Änderungen besser zu kontrollieren und Fehler schneller zu erkennen.

Vergleich der ersten und letzten Versuche

Wenn ich meine ersten Versuche mit den letzten vergleiche, sehe ich einen großen Unterschied. Die ersten Versionen wirkten oft unruhig, weil ich zu viele Dinge gleichzeitig verändern wollte. Die letzten Versuche waren dagegen viel ruhiger, klarer und stimmiger.

Vor allem habe ich gelernt, wann ich ein Bild besser nicht weiter überarbeite. Am Anfang dachte ich oft, mehr Veränderung würde automatisch zu einem besseren Ergebnis führen. Inzwischen weiß ich, dass Zurückhaltung oft sinnvoller ist, besonders bei einem einfachen Alltags-Vlog.

Was ich über Farben gelernt habe

Durch das Projekt habe ich gelernt, dass Farben nicht nur schön aussehen sollen, sondern eine Wirkung erzeugen. Sie beeinflussen, wie ruhig, warm, kalt, freundlich oder distanziert ein Bild wirkt. Selbst kleine Anpassungen können deshalb einen großen Unterschied machen.

Ich habe auch verstanden, dass Farben immer im Zusammenhang mit dem Inhalt gesehen werden müssen. Ein Look, der für einen Musikclip gut funktioniert, passt nicht automatisch zu einem Vlog. Genau diese Verbindung zwischen Bild, Stimmung und Inhalt war für mich eine der wichtigsten Erkenntnisse.

Was ich aus dem Prozess mitnehme

Der Lernprozess war für mich wichtig, weil ich nicht nur technische Fähigkeiten aufgebaut habe, sondern auch gelernt habe, Fehler als Teil des Arbeitens zu sehen. Gerade weil am Anfang vieles nicht funktioniert hat, habe ich am Ende besser verstanden, wie Color Grading wirklich funktioniert. Die Mischung aus Ausprobieren, Vergleichen und Korrigieren hat mir gezeigt, dass man mit jedem Versuch dazulernt.

Am meisten hat mir geholfen, dass ich mit der Zeit einen klareren Blick für Farben entwickelt habe. Ich sehe jetzt besser, wann ein Bild harmonisch wirkt und wann es noch Korrekturen braucht. Genau das war für mich der wichtigste Fortschritt in diesem Projekt.

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#7 – Color Grading – Den Look entwickeln

Nachdem die technischen Korrekturen abgeschlossen waren, begann für mich der kreativere Teil: das eigentliche Color Grading. Dabei ging es nicht mehr nur darum, das Bild „richtig“ aussehen zu lassen, sondern darum, einen Look zu entwickeln, der zum Inhalt meines Videos passt. Da mein Projekt ein einfacher Alltags-Vlog ist, habe ich mich bewusst für einen eher zurückhaltenden Stil entschieden.

Entwicklung eines eigenen Looks

Bei der Entwicklung des Looks war mir wichtig, dass das Video nicht künstlich oder überladen wirkt. Ich wollte keinen starken Kinolook oder extreme Farbverfremdung, sondern einen ruhigen, natürlichen Stil. Das passte für mich besser zu einem Vlog, der einen normalen Morgen und den Weg in die FH zeigt.

Deshalb habe ich den Look eher schlicht aufgebaut. Mir ging es darum, dass das Bild angenehm aussieht und trotzdem eine klare Stimmung hat. Ich wollte die Realität nicht komplett verändern, sondern sie nur etwas bewusster gestalten.

Farbtheorie

Auch wenn ich meinen Look einfach gehalten habe, spielte die Farbtheorie trotzdem eine Rolle. Farben beeinflussen die Wirkung eines Videos stark, selbst wenn man nur kleine Anpassungen vornimmt. Schon minimale Veränderungen bei Farbton, Sättigung oder Kontrast können den Eindruck eines Bildes verändern.

Für mich war dabei wichtig zu verstehen, dass Farben nicht nur dekorativ sind. Sie lenken auch die Aufmerksamkeit und erzeugen eine bestimmte Atmosphäre. Deshalb habe ich mich nicht nur gefragt, welche Farben schön aussehen, sondern welche Farben zu meinem Video passen.

Warme und kalte Farben

Besonders interessant fand ich den Unterschied zwischen warmen und kalten Farben. Warme Farben wirken oft freundlicher, weicher und näher, während kalte Farben eher ruhig, sachlich oder distanziert wirken können. Für meinen Vlog wollte ich keinen extrem kalten oder extrem warmen Look, sondern etwas dazwischen.

Ich habe mich also eher für eine natürliche Balance entschieden. Das Video sollte alltagstauglich und ehrlich wirken, nicht zu künstlich oder dramatisch. Gerade bei einem persönlichen Vlog finde ich es passender, wenn die Farben den Moment unterstützen, statt ihn zu stark zu verändern.

Farbkontraste

Auch Farbkontraste spielen eine wichtige Rolle beim Grading. Sie helfen dabei, bestimmte Bildbereiche stärker hervorzuheben und das Bild interessanter zu machen. Trotzdem wollte ich diese Kontraste bei meinem Projekt nicht zu stark einsetzen.

Mein Fokus lag mehr auf einer ruhigen Gesamtwirkung als auf auffälligen Gegensätzen. Das bedeutet nicht, dass ich keine Kontraste benutzt habe, sondern dass ich sie eher dezent eingesetzt habe. So bleibt das Bild natürlich, aber trotzdem nicht langweilig.

Einsatz von LUTs

LUTs können beim Color Grading sehr hilfreich sein, weil sie schnell einen bestimmten Stil erzeugen oder als Ausgangspunkt dienen können. Für mein Projekt habe ich sie aber nicht als Hauptmittel verwendet, sondern eher als Orientierung oder Vergleich. Da ich meinen Look bewusst einfach halten wollte, war mir wichtig, dass das Ergebnis nicht zu stark von einer voreingestellten Stimmung abhängt.

Ich fand es interessant zu sehen, wie LUTs den Charakter eines Bildes sofort verändern können. Gleichzeitig habe ich gemerkt, dass ein Vlog nicht unbedingt einen großen Look braucht, um zu funktionieren. Manchmal ist eine einfache, saubere Farbgestaltung passender als ein stark bearbeitetes Bild.

Vergleich verschiedener Looks

Beim Ausprobieren habe ich verschiedene Looks miteinander verglichen. Dabei wurde schnell klar, dass nicht jeder Stil zu meinem Projekt passt. Manche Looks wirkten zu hart, zu kühl oder zu filmisch für die einfache Vlog-Struktur. Andere waren zu neutral und hatten zu wenig Stimmung.

Durch diesen Vergleich habe ich besser verstanden, wie stark der Look die Wirkung eines Videos beeinflusst. Ein und dieselbe Szene kann je nach Farbgestaltung ganz anders wirken. Genau deshalb war es für mich wichtig, bewusst einen Stil zu wählen, der zum Inhalt passt und nicht gegen ihn arbeitet.

Warum ich mich für diesen Stil entschieden habe

Ich habe mich schließlich für einen sehr einfachen, alltäglichen Look entschieden, weil das am besten zu meinem Video passt. Mein Projekt ist kein aufwendiger Kurzfilm, sondern ein Vlog aus dem Alltag. Deshalb wollte ich auch beim Grading keine künstliche Distanz schaffen, sondern die persönliche und echte Stimmung des Videos erhalten.

Außerdem war mir wichtig, dass der Look zum Lernprozess passt. Da ich Color Grading erst besser kennenlernen wollte, erschien mir ein reduzierter Stil sinnvoll. So konnte ich mich auf die Grundlagen konzentrieren, ohne mich in zu vielen Effekten oder komplizierten Farbrichtungen zu verlieren.

Was ich daraus gelernt habe

Durch diesen Schritt habe ich verstanden, dass ein guter Look nicht zwangsläufig auffallen muss. Manchmal ist gerade die Zurückhaltung die richtige Entscheidung. Für mein Projekt war es wichtiger, dass das Video stimmig wirkt, als dass es besonders spektakulär aussieht.

Ich habe außerdem gelernt, dass Color Grading immer auch mit dem Inhalt zusammenhängt. Ein Vlog braucht keinen übertriebenen Stil, sondern einen Look, der alltagstauglich und ehrlich bleibt. Genau deshalb habe ich mich für eine einfache Farbgestaltung entschieden, die das Video unterstützt, ohne im Vordergrund zu stehen.

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#6 – Color Correction – Der technische Teil

Nachdem Schnitt und Vorbereitung abgeschlossen waren, ging es für mich an den technischsten Teil des Projekts: die Color Correction. In DaVinci Resolve habe ich dabei immer in einer ähnlichen Reihenfolge gearbeitet: zuerst die Helligkeit, dann den Kontrast, danach die Sättigung und erst danach die feineren Farbwerte. Diese Reihenfolge hat mir geholfen, strukturierter zu arbeiten und das Bild Schritt für Schritt zu verbessern.

Was Color Correction bedeutet

Color Correction ist für mich der Teil, in dem ein Bild erst einmal technisch „richtig“ gemacht wird. Es geht noch nicht um einen kreativen Look, sondern darum, dass die Aufnahme natürlich, ausgeglichen und einheitlich wirkt. Besonders bei verschiedenen Clips aus einem Vlog war das wichtig, weil nicht jede Szene unter denselben Bedingungen aufgenommen wurde.

Ich habe schnell gemerkt, dass Color Correction die Grundlage für alles Weitere ist. Wenn ein Bild zu dunkel, zu hell oder farblich unausgeglichen ist, wirkt auch das spätere Grading unruhig. Deshalb musste ich zuerst die technische Basis herstellen, bevor ich überhaupt an einen Look denken konnte.

Weißabgleich

Ein wichtiger erster Schritt war der Weißabgleich. Dabei habe ich darauf geachtet, dass Weiß wirklich weiß aussieht und keine ungewollte Farbstichigkeit im Bild bleibt. Gerade bei Aufnahmen mit unterschiedlichem Licht kann das schnell passieren, zum Beispiel wenn eine Szene wärmer und die andere kühler wirkt.

Für mich war der Weißabgleich besonders hilfreich, weil er das Bild sofort sauberer und natürlicher wirken lässt. Erst wenn die Grundfarbe stimmt, kann man das Material sinnvoll weiterbearbeiten. Sonst bleibt das Bild trotz guter Ideen immer leicht „falsch“ oder unausgeglichen.

Belichtung korrigieren

Danach habe ich die Belichtung angepasst. In DaVinci habe ich dafür zuerst die allgemeine Helligkeit überprüft und das Bild so eingestellt, dass es weder zu dunkel noch zu ausgebrannt wirkt. Gerade bei einem Vlog ist das wichtig, weil die Zuschauer die Szenen schnell und klar lesen können sollen.

Die Belichtung ist für mich einer der wichtigsten technischen Schritte, weil sie sofort Einfluss auf die Bildwirkung hat. Wenn ein Clip zu dunkel ist, gehen Details verloren. Wenn er zu hell ist, wirken Gesichter und Flächen schnell flach oder überbelichtet. Durch die Korrektur konnte ich meine Aufnahmen insgesamt viel ausgeglichener machen.

Kontrast anpassen

Nach der Helligkeit kam bei mir der Kontrast. Das war ein sehr wichtiger Schritt, weil Kontrast dem Bild Tiefe und Form gibt. Ohne Kontrast wirkt ein Bild oft flach oder leblos, selbst wenn die Farben eigentlich schon stimmen.

Ich habe beim Kontrast gemerkt, dass es oft nur kleine Veränderungen braucht, um das Bild klarer wirken zu lassen. Gerade bei Alltagsszenen kann ein bisschen mehr Kontrast schon helfen, damit das Bild definierter und filmischer aussieht. Gleichzeitig durfte ich es nicht übertreiben, weil das Material sonst schnell hart oder unnatürlich wirkt.

Highlights und Schatten

Ein weiterer wichtiger Bereich waren die Highlights und Schatten. Damit konnte ich feiner steuern, welche Bildteile heller und welche dunkler erscheinen. Das ist besonders nützlich, wenn man Details retten oder einzelne Bildbereiche gezielter hervorheben möchte.

Für mein Projekt war das hilfreich, weil manche Aufnahmen sehr unterschiedliche Lichtverhältnisse hatten. Durch die Anpassung von Highlights und Schatten konnte ich das Bild besser ausbalancieren und störende Unterschiede etwas reduzieren. So wurde das Material insgesamt harmonischer.

Waveform, Histogramm und Vectorscope

Bei der technischen Arbeit habe ich auch angefangen, mich stärker an den Scopes zu orientieren. Besonders wichtig waren für mich Waveform, Histogramm und Vectorscope, weil sie zeigen, was im Bild wirklich passiert, statt nur auf das eigene Auge zu vertrauen.

Die Waveform hilft dabei, Helligkeit und Bildverteilung zu kontrollieren. Sie zeigt mir, ob das Bild zu dunkel, zu hell oder ausgewogen ist. Das Histogramm gibt einen Überblick über die Verteilung der Tonwerte im Bild, also ob viele Bereiche eher dunkel, hell oder mittig liegen. Das Vectorscope ist vor allem bei Farben wichtig, weil es zeigt, wie stark die Farbsättigung ist und in welche Richtung die Farbtöne gehen.

Diese Werkzeuge fand ich am Anfang etwas kompliziert, aber sie waren sehr hilfreich, um objektiver zu arbeiten. Gerade wenn man mehrere Aufnahmen angleichen will, ist es besser, sich nicht nur auf das eigene Gefühl zu verlassen.

Waveform

Schwierigkeit beim Angleichen

Eine der größten Herausforderungen war das Angleichen verschiedener Aufnahmen. Obwohl die Szenen alle zu einem Projekt gehören, sehen sie nicht automatisch gleich aus. Unterschiedliche Lichtquellen, unterschiedliche Tageszeiten und verschiedene Kameraeinstellungen führen schnell dazu, dass Clips nicht zusammenpassen.

Ich habe gemerkt, dass das Angleichen nicht nur eine technische, sondern auch eine geduldige Aufgabe ist. Man muss sehr genau schauen, welche Unterschiede wirklich wichtig sind und welche man mit kleinen Anpassungen ausgleichen kann. Besonders bei einem Vlog ist das relevant, weil die einzelnen Szenen zwar zusammengehören, aber trotzdem an unterschiedlichen Orten und unter verschiedenen Bedingungen aufgenommen wurden.

Was ich dabei gelernt habe

Durch die Color Correction habe ich verstanden, wie wichtig eine saubere technische Grundlage ist. Erst wenn Helligkeit, Kontrast, Schatten, Weißabgleich und Sättigung stimmen, kann das eigentliche Grading funktionieren. In DaVinci hat mir die Reihenfolge geholfen, Schritt für Schritt vorzugehen und nicht alles gleichzeitig verändern zu wollen.

Für mich war dieser Teil des Projekts sehr lehrreich, weil ich gesehen habe, wie viel Einfluss kleine technische Anpassungen auf das gesamte Bild haben. Color Correction ist zwar weniger kreativ als Color Grading, aber ohne sie würde das Endergebnis nicht stabil wirken. Genau deshalb ist sie für mich der wichtigste technische Schritt vor dem eigentlichen Look.

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